요약

ROSÉ가 이별의 상처를 견디는 회복력을 중심에 둔 꿈결 같은 기타 사운드의 얼터너티브 팝 앤섬 ‘new trick’으로 돌아온다.감각적인 연출로 유명한 Dave Meyers가 iPhone 18 Pro로 전편을 촬영한, 유쾌하면서도 향수를 자극하는 뮤직비디오를 맡았다.이번 신곡은 Apple이 전개 중인 ‘Shot on iPhone’ 캠페인에 새롭게 합류한다.

ROSÉ가 업템포 얼터너티브 팝·팝 록 싱글 ‘new trick’으로 돌아왔다. 2024년 데뷔 앨범 rosie에서 짙게 드러났던 내면적 성찰 대신, 한층 밝고 거칠며 유쾌한 결을 택한 곡이다. 오랜 협업자인 Amy Allen과 함께 쓴 이 곡은 몽환적인 보컬 위로 디스토션 일렉트릭 기타와 빠르게 밀고 나가는 리듬을 쌓아 올린다. 1990년대 로맨틱 코미디 사운드트랙의 산뜻한 에너지와 2000년대 초반 팝 펑크의 더 강렬한 감각을 끌어왔다. ROSÉ는 이 곡을 Allen과 함께 만든 작업 중 가장 ‘귀여운’ 곡 가운데 하나라고 소개했다. 그간 자신의 솔로 송라이팅을 상당 부분 규정해 온 슬픈 노래들에서 멀어지기 시작하던 시기에 탄생한 곡이라고도 설명했다. 그렇게 완성된 ‘new trick’은 달콤함과 살짝 반항적인 기질을 조화시키며, 달라진 시선을 자연스럽게 품는다.

가사 속 ‘new trick’은 익숙한 연애의 실망감에서 출발하지만, 곧 실연을 견뎌낼 수 있는 일, 어쩌면 조금은 우스운 일로 다시 바라본다. ROSÉ는 “사랑은 무조건적”이라고 말하며 관계의 연약함을 생각하지만, 이내 “바닥에 떨어진 내 마음을 주워 들겠다”는 다짐과 함께 보다 단호한 태도로 나아간다. 상실에 머무르는 대신, 후렴은 회복을 하나의 태도로 바꿔 놓는다. 제목의 ‘new trick’은 상심에 반응하는 방식을 바꾸는 은유가 되며, 취약함을 유머와 자기 확신, 앞으로 나아가는 힘으로 대체한다. 이러한 톤의 전환은 곡의 매력을 크게 끌어올린다. 회복력을 무거운 감정적 돌파구가 아니라, 계속 나아가기로 한 충동적이고 짓궂은 선택으로 제시하는 것이다.

이 유쾌한 재창조는 Dave Meyers가 연출한 뮤직비디오로도 이어진다. Apple의 최신 ‘Shot on iPhone’ 캠페인의 일환으로 제작됐으며, 전편을 아이폰 18 Pro로 촬영했다. Meyers는 과장된 향수 어린 성장 영화 미학을 중심으로 영상을 구성했다. ROSÉ는 교복에서 영감받은 스타일링으로 빈티지한 빨간 세단, 브랜드 로고가 새겨진 보라색 롤리팝과 함께 등장한다. 이어 영상은 체육관 안에서 라이브 밴드와 펼치는 다채로운 퍼포먼스 시퀀스로 확장된다. 햇살이 비치는 교외 풍경과 청춘의 스타일링, 역동적인 카메라 워크는 이 클립에 동시대 팝의 감각을 입힌 2000년대 초반 틴 무비 같은 분위기를 더한다. 사랑앓이에서 자유분방한 반항으로 향하는 곡의 전개와도 맞닿아 있다. 이 프로젝트는 싱글을 뒷받침하는 데 그치지 않고, 가변 조리개 제어 기능을 포함한 아이폰 18 Pro의 새 카메라 시스템을 선보이는 자리이기도 하다. 또한 ROSÉ는 Olivia Rodrigo, Lady Gaga, The Weeknd 등 앞서 ‘Shot on iPhone’ 캠페인에 참여한 아티스트들과 나란히 이름을 올렸다.

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요약

Metallica가 장기 투어인 M72 World Tour를 2027년 북미 스타디움 신규 일정으로 연장한다고 공식 확정했다.이번 스타디움 투어 구간에는 총 12개 도시에서 Limp Bizkit와 Avatar가 스페셜 게스트로 합류해 무대를 꾸밀 예정이다.티켓은 팬 클럽 및 기업 대상 사전 예매 이후인 2026년 9월 25일부터 일반 예매가 시작될 예정이다.

메탈리카가 대규모 M72 월드 투어를 잇는 2027년 북미 스타디움 공연 일정을 공식 발표했다. 라이브 네이션이 주최하는 이번 투어는 2027년 5월 8일 밴쿠버의 BC Place에서 막을 올리며, 미국 남서부와 중서부를 비롯한 12개 도시를 거쳐 6월 19일 솔트레이크시티의 Rice-Eccles Stadium에서 마무리된다.

이번 스타디움 투어는 2026년 10월 1일부터 2027년 3월 13일까지 라스베이거스 Sphere에서 열리는 헤비 메탈 아이콘의 ‘Life Burns Faster’ 레지던시 공연에 이어 진행된다. 새롭게 공개된 북미 12개 공연에는 림프 비즈킷과 아바타가 모두 메탈리카의 서포트 무대에 함께한다.

이전 투어와 마찬가지로 판매되는 모든 티켓 수익금의 일부는 메탈리카의 자선 단체인 All Within My Hands Foundation을 통해 지역 자선단체에 전달된다. 이 비영리 단체는 Metallica Scholars Initiative를 통한 직업 교육을 지원하고, 식량 불안 문제에 대응하며, 재난 발생 시 필수 구호 서비스를 제공한다. 모든 운영비는 밴드가 직접 부담한다.

새로 발표된 M72 월드 투어 공연 티켓은 2026년 9월 25일 금요일 오전 10시(현지 시간)부터 메탈리카 공식 사이트에서 일반 예매를 시작한다. 팬클럽 선예매는 9월 21일 월요일부터 진행되며, Citi 카드 회원과 Verizon Shine 고객을 위한 단독 선예매도 함께 마련된다.

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요약

The Weeknd가 은퇴와 개명과 관련해 앞서 했던 발언을 공식적으로 철회했다.최근 진행된 인터뷰에서 이 아티스트는 자신을 상징하는 무대명인 The Weeknd를 계속 사용하며 음악을 발표할 것이라고, 사실상 무기한 활동을 이어가겠다고 확인했다.이번 발표는 그의 월드 투어인 ‘After Hours ’til Dawn’ 투어가 11월을 끝으로 마무리를 앞두고 있는 시점에 나왔다.

더 위켄드는 음악 활동을 은퇴하거나 자신의 활동명을 내려놓을 계획이 აღარ 없다고 공식 발표했다. 그는 최근 인터뷰에서 앞으로의 활동 계획을 언급하며, 가능한 한 오래 음반 작업과 공연을 계속하겠다는 뜻을 확인했다.

지난 1년간 한층 커진 영감을 되돌아보며 그는 이렇게 말했다. “은퇴가 어떤 모습인지 잠시 엿봤는데, 제게는 맞지 않더군요. 제가 하는 일을 할 수 있다는 건 정말 큰 특권이에요. 이 일과 같은 건 어디에도 없죠. 지난 1년 동안 느낀 감사함은 벅찰 정도였습니다. 제가 할 수 있는 한 오래 이 일을 계속할 겁니다. 더 위켄드는 어디 가지 않아요.”

이는 그가 앞서 페르소나를 끝낼 수 있음을 시사했던 발언에서 분명히 달라진 태도다. 그는 이전에 “더 위켄드는 결코 제 자신에게서 숨기 위해 쓴 가면이 아니었어요. 아벨은 언제나 그곳에 있었죠. 그저 특정한 이야기들을 들려주기 위해 제가 선택한 렌즈였을 뿐입니다”라고 밝힌 바 있다. 자신의 창작 활동명을 계속 사용하겠다는 의지를 재확인한 그는, 장기간 이어온 After Hours ‘til Dawn Tour가 마지막 일정에 가까워지는 가운데 더욱 탄력을 받고 있다.

더 위켄드의 After Hours ‘til Dawn Tour는 2026년 11월 공식적으로 막을 내릴 예정이다.

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요약

Drake가 자신의 1시간 분량 비주얼 프로젝트 ‘Fear of Missing Out’ 공개 이후, 2027년 투어 계획을 공식적으로 확정했다.Theo Skudra와 Liam Macrae 등 다수의 연출진이 참여한 이 초현실주의적 필름에는 뮤직비디오와 미공개 신곡, 그리고 Ella Langley의 리믹스 트랙이 담겨 있다.자체 제작비로 완성된 이번 프로젝트는 Toronto의 여름 풍경을 파편적인 장면으로 포착하는 한편, Don Toliver, Yeat, Sexyy Red 등이 게스트로 등장하는 모습도 함께 조명한다.

드레이크가 신작 영화 Fear of Missing Out를 깜짝 라이브스트리밍으로 공개한 뒤, 2027년 투어 계획을 공식 발표했다. 캐나다 출신 아티스트인 그는 1시간 분량의 비주얼 프로젝트를 유튜브에서 최초 공개하기에 앞서 EtalkCanada를 통해 투어 계획을 알렸다.

드레이크가 ‘자비로 제작한 초현실주의’라고 소개한 Fear of Missing Out는 테오 스쿠드라, 리엄 맥크레이, 제이크 슈라이어, 종 리, 글렌 마이클이 연출했다. 이 프로젝트는 카사 로마, CNE, 로에 쉬미와 함께한 아이언맨 슈트 카메오 등 토론토의 여름을 담은 짧은 장면들 사이에 최근 앨범 Maid of Honour, Habibti, ICEMAN의 뮤직비디오를 교차 편집해 담았다. 섹시 레드, 위니 할로우, 레나 더 플러그와 드레이크의 어머니 샌디 그레이엄도 이 비주얼 프로젝트에 게스트로 출연한다.

‘WNBA’, ‘Road Trips’, ‘Hoe Phase’ 등 기존 수록곡의 비주얼과 함께, 영화는 돈 톨리버가 피처링한 엘라 랭글리의 ‘Choosin’ Texas’ 슬로다운 리믹스 등 신곡도 처음 선보인다. 톨리버 및 예트와 함께한 미공개 협업곡 역시 스트리밍을 통해 공개됐으며, 이는 장편 뮤직비디오 문화에 힘을 싣고자 하는 드레이크의 보다 큰 행보를 보여준다.

유튜브 스트리밍은 첫 공개 후 비공개로 전환됐으며, Fear of Missing Out는 드레이크가 예정한 2027년 콘서트 투어의 비주얼 프렐류드 역할을 한다.

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요약

Oasis가 2027년 미국과 유럽 전역을 순회하는 대규모 스타디움 투어 개최를 발표하였다.이번 투어에는 Manchester에서의 고향 공연 11회와 Knebworth Park에서의 역사적인 4일간의 공연이 포함된다.이번 발표는 Venice International Film Festival에서 밴드의 다큐멘터리 ‘Oasis: Don't Look Back In Anger’가 첫 공개된 직후에 이어진 것이다.

오아시스가 유럽과 미국을 아우르는 대규모 2027 스타디움 투어를 공식 발표했다. 갤러거 형제는 2027년 5월부터 9월까지 이어지는 폭넓은 공연 일정을 통해 현재 진행 중인 재결합 활동을 확장할 예정이다.

새로 발표된 일정에는 글래스고, 뮌헨, 바르셀로나, 암스테르담, 파리, 로마, 보스턴, 라스베이거스 등 주요 국제 도시에서의 연속 다회 공연과 아일랜드 슬레인 캐슬 2회 공연이 포함됐다. 투어의 중심에는 고향 맨체스터의 에티하드 스타디움에서 열리는 11회 상주 공연과 크네브워스 파크 4회 공연이 있다. 크네브워스 파크 무대는 밴드가 1996년 이후 처음으로 다시 오르는 역사적인 장소이기도 하다.

이번 발표는 베니스 국제영화제에서 9월 5일 Oasis: Don’t Look Back In Anger가 첫선을 보인 직후 나왔다. 이 다큐멘터리는 16년간의 공백을 깨고 2025년 여름 무대로 돌아온 밴드의 이야기를 담아, 이들의 지속적인 글로벌 라이브 활동을 예고한다.

오아시스의 2027 투어는 2027년 5월 21일 스코틀랜드 글래스고에서 시작해 9월 19일 크네브워스 파크에서 막을 내릴 예정이다. 티켓 판매에 관한 자세한 정보는 여기에서 확인할 수 있다.

5월 21일 스코틀랜드 글래스고 - Celtic Park
5월 23일 스코틀랜드 글래스고 - Celtic Park
5월 25일 스코틀랜드 글래스고 - Celtic Park
5월 28일 스코틀랜드 글래스고 - Celtic Park
5월 229일 스코틀랜드 글래스고 - Celtic Park
6월 4일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 6일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 8일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 11일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 12일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 15일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 18일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 19일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 22일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 25일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
6월 26일 잉글랜드 맨체스터 - Etihad Stadium
7월 2일 독일 뮌헨 - Allianz Arena
7월 3일 독일 뮌헨 - Allianz Aerna
7월 10일 스페인 바르셀로나 - Estadi Olímpic Lluís Companys
7월 11일 스페인 바르셀로나 - Estadi Olímpic Lluís Companys
7월 16일 네덜란드 암스테르담 - Johan Cruijff Arena
7월 17일 네덜란드 암스테르담 - Johan Cruijff Arena
7월 23일 프랑스 파리 - Stade de France
7월 24일 프랑스 파리 - Stade de France
7월 29일 이탈리아 로마 - Stadio Olimpico
7월 30일 이탈리아 로마 - Stadio Olimpico
8월 10일 미국 매사추세츠주 보스턴 - Gillette Stadium
8월 13일 미국 매사추세츠주 보스턴 - Gillette Stadium
8월 14일 미국 매사추세츠주 보스턴 - Gillette Stadium
8월 20일 미국 네바다주 라스베이거스 - Allegiant Stadium
8월 21일 미국 네바다주 라스베이거스 - Allegiant Stadium
8월 24일 미국 네바다주 라스베이거스 - Allegiant Stadium
9월 4일 아일랜드 슬레인 - Slane Castle
9월 5일 아일랜드 슬레인 - Slane Castle
9월 11일 잉글랜드 크네브워스 - Knebworth Park
9월 12일 잉글랜드 크네브워스 - Knebworth Park
9월 18일 잉글랜드 크네브워스 - Knebworth Park
9월 19일 잉글랜드 크네브워스 - Knebworth Park

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Mnet의 한일 합동 오디션 프로그램 Unpretty Rapstar: HIP POP Princess가 막을 내린 뒤, 걸그룹 음악의 모든 관습을 깨겠다는 7인조 글로벌 그룹이 탄생했다. H//PE Princess라는 이름으로 활동하는 COCO, YSY, YUJU, DOI, RINO, NIKO, SUJIN은 2026년 5월 27일 데뷔 미니 앨범 17.7을 발표하며 공식 데뷔했다. 앨범명은 그룹이 처음 결성됐을 당시 멤버들의 평균 나이를 가리킨다.

그룹의 초반 존재감은 주요 히트곡들을 통해 빠르게 굳어졌다. Dynamicduo의 Gaeko가 프로듀싱한 리드 싱글 "Stolen"은 공개 24시간 만에 조회 수 100만 회를 돌파했고, ONE OK ROCK의 프런트맨 Taka가 작사·작곡·프로듀싱한 "One day"는 일주일 만에 수백만 뷰를 기록했다. 오디션 당시 팬들의 사랑을 받은 "DAISY"와 "gOOd!"까지 더해진 이 곡들은 H//PE Princess를 Rakuten GirlsAward와 KCON 같은 주요 해외 무대로 이끌며 가파른 상승세를 만들었다.

숨 가쁜 프로모션 일정을 마친 H//PE Princess를 만나 데뷔 이후의 일상과 그룹명에 담긴 상징성, 그리고 글로벌 음악 시장에서 자신들만의 길을 개척해 나갈 방식에 관해 이야기를 나눴다.

H//PE Princess가 공식적으로 스포트라이트를 받은 지 약 두 달이 지났다. 데뷔 후 일상은 어떻게 달라졌나?

NIKO: SNS를 통해 팬들과 소통하고, 저희가 어떤 사람들인지 더 많이 보여드릴 수 있게 돼 정말 설레요. 페스티벌, TV 프로그램, 대학 행사 등 다양한 무대에도 오르고 있는데, 무대에 설 때마다 ‘와, 우리가 정말 H//PE Princess가 됐구나’ 하고 실감하게 돼요. 새로워진 일상 속에서 팬들의 사랑과 응원을 직접 느낄 수 있다는 사실에 깊이 감사하고, 덕분에 매일이 정말 즐거워요.

DOI: 정말 정신없이 바쁜 나날이에요. 매일 연습하고 공부하면서 더 성장하기 위해 끊임없이 스스로를 밀어붙이고 있어요. 데뷔 후 가장 크게 달라진 점을 꼽자면, 계속 무대에 서게 됐다는 거예요. 아티스트로서의 저희 모습을 많은 분께 보여드릴 수 있다는 점에 진심으로 감사해요.

그룹명 H//PE Princess에 관해 이야기해 보자. 이중 슬래시에는 어떤 의미가 담겨 있으며, 그룹의 비주얼과 음악적 정체성을 어떻게 보여주나?

YUJU: 이 이름에는 두 슬래시 사이의 공간을 저희만의 이야기로 채우고 싶다는 바람이 담겨 있어요. 한국과 일본의 문화, 언어, 생각 사이의 경계를 넘어 모든 한계를 돌파하겠다는 뜻이죠. 무대 안팎에서 각자의 브랜딩을 다듬는 동시에, 팀으로서도 선명한 정체성을 구축하기 위해 노력하고 있어요.

RINO: 제게 슬래시 사이의 공간은 틀에 갇히지 않고 가능성을 자유롭게 확장할 수 있는 캔버스예요. K팝, J팝, 힙합처럼 하나의 장르에만 스스로를 가두기보다 각자의 배경을 융합해 H//PE Princess만의 색깔을 만들고 싶어요. 음악 장르와 지리적 경계를 넘어, ‘우리가 그래야 한다’고 미리 정해진 기대에서 벗어나 우리만의 진정성 있는 정체성을 구축하는 것이기도 해요.

K팝 신은 매우 빠른 속도로 움직인다. H//PE Princess의 사운드와 에너지를 다른 신인 그룹과 차별화하는 핵심 요소는 무엇이라고 생각하나?

YSY: H//PE Princess만의 차별점은 일곱 멤버 모두 개성이 아주 뚜렷하고 선명하다는 데 있어요. 각자 완전히 다른 색을 팀에 더하죠. 또 날것의 에너지와 라이브 퍼포먼스 역량을 매우 중요하게 생각해요. 여건이 허락할 때면 라이브 보컬과 무대 장악력에 자신이 있는 만큼 항상 핸드 마이크 사용을 고집해요. 라이브 무대에 대한 자신감, 그리고 거기서 나오는 에너지가 저희의 가장 큰 매력이라고 생각해요.

COCO: 핸드 마이크로 공연하면 멤버 각자의 목소리와 표정, 날것의 감정이 관객에게 더욱 직접적으로 닿을 수 있어요. 일곱 명을 획일적인 틀에 끼워 맞추는 대신, 완전히 다른 일곱 가지 색을 모아 처음부터 사운드를 만들어가죠. 각자의 스타일이 무대에서 어우러질 때 터져 나오는 에너지와 그 케미스트리는 H//PE Princess만이 보여줄 수 있는 것이에요.

H//PE Princess의 전반적인 분위기와 정신을 단 세 단어로 표현한다면 무엇일까?

SUJIN: 여유, 자신감, 그리고 양면성이요.

YUJU: 자유로움, 다양성, 그리고 유일무이함이요.

각 멤버는 서로 다른 배경과 음악적 취향을 지닌 채 연습생 생활을 시작했다. 이러한 개별적인 스타일은 그룹의 공동 정체성을 만들어가는 과정에서 어떻게 어우러졌나?

COCO: 서로의 차이를 지우거나 하나의 획일적인 틀에 맞추려 하기보다, 모두의 개성을 살리며 음악을 만들었어요. 음악 취향과 표현 방식이 모두 다르다 보니 연습 중 브레인스토밍을 하면 자연스럽게 새로운 아이디어가 나왔죠. 저희의 정체성은 한 사람의 미학으로 규정되지 않아요. 서로 다른 일곱 가지 색이 어우러져 만들어내는 조화예요.

YUJU: 처음에는 모두의 개성이 워낙 뚜렷해서 하나의 방향성을 찾기 어려울 수도 있겠다고 생각했어요. 하지만 각자의 강점을 살리고 조화를 이룰 때 더욱 독보적이고 특별한 그룹이 된다는 걸 금세 깨달았죠. 서로의 스타일을 존중하고 발전시키며 H//PE Princess에게만 속하는 새로운 미학을 만들어가고 있어요.

공식 데뷔라는 목표를 이룬 지금, H//PE Princess가 데뷔 첫해 버킷리스트에 올려둔 다음 큰 목표는 무엇인가?

SUJIN: 공식 데뷔는 새로운 도전의 시작일 뿐이에요. 첫해의 가장 큰 목표는 쉼 없이 노력하고 연습하면서 H//PE Princess만의 시그니처 사운드를 구축하는 거예요. 대중이 H//PE Princess가 보여주는 것이 무엇인지 분명히 알아볼 수 있도록요.

YSY:일곱 명이 데뷔라는 꿈을 이뤘지만, 이제는 더 큰 여정의 출발선에 서 있어요. H//PE Princess는 오디션 프로그램을 통해 결성된 그룹인 만큼, 어떤 아티스트인지 무대에서 증명해 보이는 건 우리의 몫이에요. 모든 무대와 퍼포먼스를 통해 잠재력을 보여드리고 한 걸음씩 성장하며, 오직 우리만의 길을 개척해 나가고 싶어요.

앞으로의 신보를 생각했을 때, 다음으로 도전해 보고 싶은 특정 장르나 비주얼 콘셉트, 사운드 스타일이 있나?

NIKO: 다양한 장르를 탐색하고 싶지만, 힙합 그룹으로서의 정체성은 더욱 단단히 다지고 싶어요. 음악뿐 아니라 스타일링, 비주얼, 퍼포먼스까지 주도해 H//PE Princess만이 구현할 수 있는 셀프 프로듀싱 미학을 만들고 싶어요. 앞으로는 더 과감하고 강렬한 콘셉트에 도전하며 저희의 비전을 더욱 선명하게 보여드리고 싶습니다.

DOI: 힙합은 저희의 뿌리지만, 일렉트로닉 음악과 R&B로도 영역을 넓혀가고 싶어요. 올드스쿨 힙합을 좋아하지만 하나의 사운드에만 갇히고 싶지는 않아요. 다양한 장르를 계속 실험하면서 H//PE Princess의 여러 모습을 보여드리고 싶어요.

이미지 출처 (C) CJ ENM

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TEN은 지난 10년간 대중의 시선을 받아왔고, ‘OUTWEST’와 ‘IRL’은 자신을 이해받기 위한 그의 시도다. 두 곡은 하나의 릴리스로 함께 공개되며, 바로 그 구성 자체가 메시지를 전한다. 한 곡은 그가 향해 가는 곳을 바라보고, 다른 한 곡은 지금의 자신을 이끈 지난 10년을 되짚는다. 각각만 놓고 보면 반쪽짜리 이야기지만, 나란히 들으면 앞선 장들을 없던 일로 하지 않은 채 새 장을 여는 아티스트의 한층 온전한 모습을 그려낸다.

가장 단순하게 해석하자면 ‘OUTWEST’는 미래, ‘IRL’은 과거에 관한 곡이고, TEN 역시 이러한 구분을 크게 부정하지는 않는다. 그는 “‘IRL’은 지난 10년간의 여정을 돌아보는 곡이고, ‘OUTWEST’는 지금의 제 모습에 더 가깝습니다”라고 말한다. 다만 앞으로 나아간다는 것이 무언가를 뒤에 남겨두는 일이라는 생각에는 동의하지 않는다. 보다 솔직하게 드러낸 소재를 과거를 수정하는 것이 아니라 덧붙이는 일, 기존의 모습을 대체하는 대신 그 그림을 넓히는 방식으로 바라본다. 그는 “과거에 등을 돌리는 것처럼 느껴지지 않으면서도, 더 내밀한 이야기를 나누고 싶었어요”라고 말한다. 지난 10년을 부정하지 않으려는 이 마음이야말로 두 곡을 따로 나누어 공개하기보다 한 번에 들어주길 바란 이유다.

그러나 더 큰 변화는 곡이 무엇을 말하는지가 아니라, 어떤 방식으로 만들어졌는지에 있다. TEN은 처음으로 출발점이 된 아이디어 단계부터 참여해 협업진과 함께 곡을 썼다. 완성된 트랙을 받아 자신의 것으로 소화하던 방식과 달리, 그는 이 과정에 참여할 수 있었던 점이 모든 차이를 만들었다고 본다. 그는 “처음부터 작업실에 함께 있으니 훨씬 더 자유롭게 탐색할 수 있었어요”라고 말한다. 이러한 자유로움은 어느 한 스타일에 머무르지 않고 여러 사운드를 오가는 ‘OUTWEST’에서 가장 선명하게 드러난다. 그는 그 불안정한 움직임이 자신의 기질에서 비롯됐다고 말한다. “저는 늘 새로운 것을 시도하는 데 열려 있었고, 음악을 장르로 규정하는 걸 좋아하지 않아요.” 곡이 이리저리 흐르는 것은 작업 당시 그의 생각도 자유롭게 떠돌고 있었기 때문이다. 그가 “자유롭고 호기심이 많으며, 이전에는 가보지 못한 곳으로 향하고 싶은” 분위기라고 표현한 감각을 좇으면서다.

‘OUTWEST’가 TEN이 바깥을 향해 손을 뻗는 곡이라면, ‘IRL’은 그가 경계를 허무는 곡이다. 그리고 그는 그 선택이 더 큰 위험을 수반한다는 사실을 알고 있다. 대중은 먼저 퍼포머로서의 그를 만났고, 그 역시 그 역할을 내려놓을 생각은 없다. ‘IRL’은 그 퍼포머의 모습 곁에 보다 꾸밈없는 자신을 나란히 놓는다. 그는 “‘IRL’을 통해 제 자신에 대해 노래하고, 사람들이 늘 볼 수는 없었던 좀 더 개인적인 모습을 보여주고 싶었어요”라고 말한다. 이 시점 역시 우연이 아니다. 이 곡은 그가 앞으로 구축해 갈 모든 것의 문턱이기도 하다. 그는 “ILLIMNT에서 내는 첫 싱글이기도 해서, 이 문을 열고 새 챕터를 시작하기에 적절한 순간이라고 느꼈어요”라고 설명한다. 그는 이 솔직함이 바깥으로도 이어지길 바라며, 곡이 리스너들에게 작은 허락처럼 닿기를 기대한다. “듣는 분들도 있는 그대로의 자신을 받아들이고 표현할 용기를 얻었으면 합니다.”

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ONE OK ROCK의 DETOX 투어가 2026년 9월 6일 지바의 조조 마린 스타디움에서 긴 여정의 종착점에 도달했다. 2025년 닛산 스타디움 공연 둘째 날 프론트맨 Taka가 부상을 입은 뒤, 많은 이들이 이번 투어를 ‘Taka의 재기 투어’로 불렀던 만큼 밴드와 팬들에게 마지막 공연은 남다른 감정을 안겼다. 지난 12개월간 전 세계 53개 도시를 누비며 약 80만 명의 팬을 만난 이 4인조 밴드는 일본 아레나 투어와 야외 스타디움 공연의 피날레를 장식했다. 4만 관객의 함성이 가득한 그라운드에 오른 이들은, 이번 마지막 무대를 그 어느 때보다도 빛나는 공연으로 만들겠다는 각오였다.

Masahiro Yamada

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

변덕스러운 야외 날씨와 들끓는 관객 사이에서 라이브로 마주한 공연은 그야말로 전율 그 자체였다. ONE OK ROCK은 오픈에어 아레나를 모두의 감각을 휘감는 폭풍으로 바꿔놓았다. 빗줄기와 그라운드를 뒤덮은 귀청을 울리는 함성 속에서 모든 곡은 음원 이상의 크기로 확장됐다. 어쿠스틱 버전의 ‘Delusion:All’은 묵직한 감정을 전했고, ‘We Are’ 같은 스타디움 앤섬은 공연장 전체를 하나로 묶는 삶을 긍정하는 선언처럼 부풀어 올랐다.

공연이 시작된 지 한 시간을 조금 넘긴 시점, 무대는 YAO의 등장과 함께 과감한 전환점을 맞았다. Awich, CHICO CARLITO, Paledusk, 그리고 ONE OK ROCK이 함께하는 슈퍼그룹 컬렉티브 YAO는 확장되는 창작 세계 속 또 하나의 서사처럼 기능했다. YAO의 모든 멤버는 무대에 모여 폭발적인 데뷔곡 ‘777’로 스타디움을 달군 뒤, 공연 이틀 전에야 정식 발매된 두 번째 싱글 ‘FOR OKINAWA’를 깊은 울림으로 선보였다. 이는 밴드의 창작 비전이 멈추지 않고 계속 진화하고 있음을 인상적으로 보여주는 순간이었다.

밤이 깊어갈수록 ONE OK ROCK의 공연은 모두가 함께하는 테라피의 시간이기도 하다는 사실이 선명해졌다. 20여 년 동안 이들의 음악은 날것의 사춘기 분노를 넘어, 깊이 성숙하고 내면을 들여다보는 카타르시스로 진화했다. 불꽃과 분노는 세심하게 다스려지지만 결코 희미해지지 않는다. 더 나이 든 자신이 어린 시절의 자신을 보호하고 이끌기 위해 건네는 이야기처럼 들린다. 이런 감정의 무게는 꾸밈없는 진정성에서 비롯된다. Taka의 말처럼 공연 중 멘트는 한 번도 미리 연습하지 않으며, 밴드가 매일을 살아가는 방식과 그 순간 느끼는 감정에서 곧장 흘러나온다. 수만 명이 ‘The Pilot ᐸ/3,’를 목청껏 따라 부르든, ‘Stand Out Fit In’의 후렴에 맞춰 일제히 뛰어오르든, ‘The Beginning’이 흐르는 동안 모시피트로 몸을 던지든, 함께 드러내는 취약함은 좀처럼 만나기 힘든 치유의 해방감을 선사한다.

하지만 밤하늘 아래 스타디움 규모의 카타르시스가 폭발하기 훨씬 전, 백스테이지에는 고요한 정적이 감돌았다. 대형 스타디움 피날레 당일 ONE OK ROCK과 마주 앉아 인터뷰하는 일은 사실상 전례가 드물다. 그렇기에 공연 전 조조 마린 스타디움에서 이뤄진 만남은 더욱 특별했다. 무대에 오르기 한 시간 전, 밖에서는 4만 명의 팬들이 열기를 최고조로 끌어올리고 있었지만 Taka는 그린룸에서 Hypebeast와 자리를 함께했다. 공연장 밖의 기대감이 폭발 직전이던 순간에도 그는 놀랄 만큼 평정심을 유지하며, 조명 아래 무대로 나서기 전 최대한 차분하고 편안한 상태에 집중하고 있었다.

“팬들과 ONE OK ROCK의 유대는 에너지가 부딪히는 순간이에요. 어느 한쪽이라도 온전히 함께하지 않으면 그 공간은 존재할 수 없죠.”

Toru가 당신이 ONE OK ROCK에 합류할 때까지 아르바이트하던 곳으로 끈질기게 찾아갔다는 일화가 유명하죠. 끝내 밴드에 합류하겠다고 마음먹게 한 계기가 무엇이었는지 기억하시나요?

Taka: 정말 끈질겼어요! 제 집에도 정말 여러 번 찾아왔죠. 그때는 아직 학생 때였어요. 저는 이미 학교를 그만뒀지만 Toru는 재학 중이어서, 보통 밤늦게 밖에 나올 수도 없었거든요. [웃음]

당시에는 주변 사람들을 그다지 믿지 않았어요. 그래서 그가 이것저것 설명할 때는 그냥 ‘그래, 어쩌고저쩌고’ 하는 마음이었죠. 그런데 밴드를 얼마나 하고 싶어 하는지, 당시 리드 싱어가 얼마나 절실했는지를 보여주는 열정이 대단했어요. 이 밴드를 얼마나 사랑하는지 계속 보여줬죠. 그래서 일단 리허설에 가보기로 했어요. 그곳의 분위기를 느끼고 나니 ‘아, 나도 이 록 밴드를 하고 싶다’는 생각이 들더라고요. 아주 자연스러웠어요. 그의 열정에 마음이 움직였죠.

특히 서구권에서는 록 음악이 더 이상 주류가 아니라는 이야기가 자주 나옵니다. 그런데도 ONE OK ROCK은 해마다 전 세계 스타디움을 매진시키고 있죠. 지금도 라이브 공연이 이토록 강력한 이유는 무엇이라고 생각하시나요?

우리만의 힘은 아니에요. 크루와 제 친구들, 정말 많은 사람이 늘 ONE OK ROCK을 위해 열심히 일하고 있어요. 덕분에 지금도 이렇게 멋진 무대를 만들 수 있고, 늘 감사하게 생각합니다. 우리는 무대에서 노래하고 악기를 연주할 뿐이고, 그게 우리의 일이죠. 나머지는 모두 팀이 만들어줍니다.

그 연결의 일부는 밴드가 전하는 메시지에서 온다고 보시나요? 노래에 담긴 의미가 그토록 강렬하게 느껴지는 이유일까요?

그런 것 같아요. 다만 저는 공연 멘트를 미리 짜두는 타입은 아니에요. 그 순간 떠오르는 대로 말하죠. 그래서 ONE OK ROCK이 일상에서 어떻게 살아가는지, 한 사람으로서 어떻게 살아가는지가 무대 위에 더 직접적으로 드러나는 것 같아요.

이번 투어에서 수많은 팬을 만났습니다. 무대에 오르기 전 10초 동안에는 어떤 생각을 하시나요?

얼마나 자연스럽고 차분하게 있을 수 있는지가 중요해요. 무대에 나가기 3~5초 전에는 지금처럼 편안한 상태를 유지하려고 해요.

ONE OK ROCK의 공연은 모시피트와 점프, 헤드뱅잉, 떼창으로 이어지는 에너지로 유명합니다. 밴드와 관객의 유대가 특별한 이유는 무엇인가요?

팬들과 ONE OK ROCK의 유대는 에너지가 부딪히는 순간이에요. 어느 한쪽이라도 온전히 함께하지 않으면 그 공간은 존재할 수 없죠. 공연을 만들어가는 데 팬들의 힘이 필요하고, 팬들 역시 우리에게서 무언가를 얻기 위해 공연장을 찾아와요. 그런 상호 교감이 있는 한, 우리는 계속 좋은 라이브를 보여드릴 수 있습니다.

짧은 이야기를 하나 들려드릴게요. 어제 시부야에서 쇼핑하다가 ONE OK ROCK을 계기로 한 매장 직원과 친해졌어요. 그는 오랫동안 밴드의 음악을 들어왔고, 당신들의 노래가 자신의 ‘성경’과도 같다고 말했어요. 저를 포함한 오랜 팬들 역시 똑같이 느끼는 분이 많을 거예요.

와, 그런 이야기를 들려주셔서 정말 감사합니다. 제게는 정말 큰 의미예요.

“솔직히 말하면, 이번 다음에 나올 앨범이야말로 지금의 우리를 더 잘 보여줄 것 같아요.”

다음 달에는 A Decade of Greatest Hits도 발매하지만, 신곡 ‘Fever’로 그 시작을 알리기로 했습니다. ‘Fever’는 어떤 곡인가요?

사실 제목 때문에 코로나19 한가운데에 이 곡을 썼어요. 하지만 당시에는 ‘Fever’라는 제목도, 발표 시점도, 가사도 맞지 않았죠. 일본에서 방역 규제가 풀린 직후에는 관객이 완전히 조용히 있어야 하는 공연도 있었어요. 함성을 지르거나 모시피트를 하는 것도 안 됐죠. 곡을 발표할까 생각했지만, 그때 관객의 열기를 끌어올린다는 이유로 온라인에서 비판을 많이 받았어요. ‘더는 불을 키우면 안 되겠다’고 생각해서 발매를 미뤘습니다.

하지만 코로나19 이후 발매된 DETOX 앨범에도 ‘Fever’는 수록되지 않았습니다. 다른 때를 위해 아껴두고 있었던 건가요?

네, 발표할 적절한 순간을 기다리고 있었어요. ‘Fever’는 정말 열정으로 가득한 곡이고, 감정적이기도 해요. 보컬을 정말 여러 번 다시 녹음했고, 이제 제 보컬 컨디션이 훨씬 좋아졌다고 느껴서 이 버전이 최종본입니다. 영원히 붙들고만 있을 수는 없어서, 이제는 발표할 때가 됐다고 생각했어요.

이 신곡이 지금의 ONE OK ROCK을 보여주는 곡이라고 할 수 있을까요?

글쎄요. 솔직히 말하면, 이번 다음에 나올 앨범이야말로 지금의 우리를 더 잘 보여줄 것 같아요.

다음 앨범이요?

작업하고 있어요.

벌써 작업 중이라고요? 시간은 어떻게 내세요?

피곤해요! [웃음]

내년 공연 계획도 있나요? 특히 월드 투어 계획이 궁금합니다.

중국과 홍콩에 정말 다시 가고 싶어요. 모두를 만나 팬들과 좋은 추억을 나누고 싶습니다. 다시 꼭 성사시키고 싶어요. 이번 투어에서 취소된 공연들만이 제가 유일하게 아쉬워하는 부분이거든요.

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요약

Glastonbury Festival이 2027년에 돌아오면서, 주말 티켓 가격이 사상 처음으로 400파운드 선을 돌파한다.이 대표적 문화 이벤트의 패스는 휴식기(페로우 이어)를 거친 뒤 2026년 10월 공식 판매를 시작할 예정이다.주최자 Emily Eavis는 복귀 무대를 장식할 세 팀의 메이저 헤드라이너가 이미 확정됐다고 밝혔다.

2026년 예정된 휴지기를 거친 전설적인 글래스턴베리 페스티벌이 2027년 개최 일정을 확정하고, 사상 최고 수준의 티켓 가격도 발표하며 공식 복귀를 예고했다. 대규모 문화 축제는 6월 23일 수요일부터 27일 일요일까지 열리며, 관객의 부담도 한층 커질 전망이다. 행사 역사상 처음으로 일반 티켓 가격이 400파운드를 넘어섰다. 주말 일반 입장권은 티켓당 의무적으로 부과되는 예매 수수료 5파운드를 포함해 408파운드로 책정됐다. 이는 2025년 행사 가격보다 29.50파운드 오른 것으로, 서머싯의 광대한 행사장이 영국에서 가장 비싼 음악 페스티벌이라는 위상을 굳혔다. 기본 티켓 가격 외에 아직 확정되지 않은 우편 발송 및 포장 비용도 별도로 부담해야 한다.

이번의 가파른 가격 재조정은 라이브 음악 생태계를 재편하고 있는 더 큰 흐름을 가장 선명하게 보여준다. 영국의 주요 페스티벌 전반에서 입장료는 통상적인 물가상승률을 훨씬 웃돌며 지속적으로 올랐다. 행사 주최 측은 급등한 에너지·인프라 비용에 브렉시트 이후 심화된 노동력 부족까지 겹치며 전례 없는 거시경제적 압박에 직면했고, 이를 큰 폭의 비용 인상 원인으로 꼽는다. 영국 여름을 대표하는 행사인 글래스턴베리의 2027년 새 가격 체계는 최상위급 라이브 음악을 즐기기 위한 높아진 진입 장벽을 사실상 일반화하며, 한 세대의 페스티벌 관객이 마주할 경제적 현실을 바꾸고 있다.

글래스턴베리의 농장 부지에 입성할 기회를 잡는 일은 여전히 치열하기로 악명 높으며, 2026년 10월 티켓 판매는 두 단계로 나뉘어 진행된다. 친환경 교통수단을 택할 의향이 있는 이들은 코치 이동이 포함된 티켓을 먼저 구매할 수 있으며, 해당 티켓은 10월 1일 목요일 영국 서머타임 오후 6시에 판매를 시작한다. 이어 일반 입장권 판매는 10월 4일 일요일 영국 서머타임 오전 9시에 시작된다. 어느 판매 일정에 참여하든 사전 요건을 충족해야 한다. 2027년 6월 23일 기준 만 13세 이상인 사람은 티켓 구매 자격을 얻기 위해 반드시 무료 사전 등록을 해야 한다. 또한 암표 거래를 막기 위한 지속적인 노력의 일환으로 티켓은 양도가 엄격히 금지되며, 실물 티켓에는 등록된 소지자의 사진이 선명하게 인쇄된다.

2027년 대규모 복귀를 향한 기대는 이미 높아지고 있으며, 특히 직전 행사의 압도적인 규모가 이를 뒷받침한다. 이 전설적인 축제는 2025년에 마지막으로 열렸고, 당시 팝 신드롬 올리비아 로드리고, 영국 록 밴드 The 1975, 그리고 거장 닐 영이 주말 내내 헤드라이너로 무대에 올랐다. 다가오는 복귀 행사의 전체 라인업은 아직 철저히 비공개지만, 글래스턴베리 주최자 Emily Eavis는 2027년의 메인 헤드라이너 세 팀을 모두 섭외했다고 이미 확인했다. 온라인상에서 추측이 무성하지만, 에이비스는 팝의 여왕 마돈나가 그 세 팀에 포함되지 않는다고 분명히 밝혀 다음 영국 최고가 무대를 이끌 주인공이 누구일지 팬들의 궁금증을 키우고 있다.

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요약

Radiohead가 2027년 호주와 일본의 네 개 도시에서 콘서트 투어를 진행한다고 발표했다.모든 티켓은 봇과 암표상을 원천 차단하기 위해 구축된 사전 등록 시스템을 통해서만 예매할 수 있으며, 1인당 최대 4장까지로 제한된다.또한 밴드는 추가 공연이 없을 것이라고 못박으며, 이번 네 개 도시 일정이 전체 투어의 전부라고 확인했다.

라디오헤드가 2027년 호주와 일본을 아우르는 콘서트 투어를 확정했다. 총 4개 도시에서 열리는 이번 투어와 관련해 밴드는 이 공연들이 그해 선보일 유일한 무대라고 분명히 밝혔다.

투어는 5월 호주에서 막을 올린다. 도시별로 여러 날 공연이 이어지며, 퍼스 RAC Arena에서 4회, 멜버른 Rod Laver Arena에서 6회, 시드니 Afterpay Arena에서 5월 말부터 6월 초까지 6회 공연한다.

이후 6월에는 일본 사이타마의 GMO Arena Saitama에서 5일간 공연을 이어간다. 도시마다 단 한 차례만 공연하는 대신, 각 공연장에서 연일 혹은 하루 간격으로 무대를 편성해 제한된 동선 안에서도 전체 수용 규모를 넓혔다.

전체 투어 일정은 아래에서 확인할 수 있다. 티켓 등록 및 가격 정보는 현재 라디오헤드 공식 웹사이트에서 확인 가능하다.

라디오헤드 2027 호주·일본 투어 일정

호주
2027년 5월 3일 - 퍼스, RAC Arena
2027년 5월 4일 - 퍼스, RAC Arena
2027년 5월 6일 - 퍼스, RAC Arena
2027년 5월 7일 - 퍼스, RAC Arena
2027년 5월 13일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 14일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 16일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 17일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 19일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 20일 - 멜버른, Rod Laver Arena
2027년 5월 25일 - 시드니, Afterpay Arena
2027년 5월 26일 - 시드니, Afterpay Arena
2027년 5월 28일 - 시드니, Afterpay Arena
2027년 5월 29일 - 시드니, Afterpay Arena
2027년 5월 31일 - 시드니, Afterpay Arena
2027년 6월 1일 - 시드니, Afterpay Arena

일본
2027년 6월 8일 - 사이타마, GMO Arena Saitama
2027년 6월 9일 - 사이타마, GMO Arena Saitama
2027년 6월 11일 - 사이타마, GMO Arena Saitama
2027년 6월 12일 - 사이타마, GMO Arena Saitama
2027년 6월 13일 - 사이타마, GMO Arena Saitama

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요약

Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny가 Emmys Night 1(기존 Creative Arts Emmys)에서 노미네이트된 전 부문을 석권했다.Outstanding Variety Special (Live) 부문 수상으로, 이 공연은 역사상 단 두 편뿐인 ‘최우수 프로그램상’을 거머쥔 하프타임 쇼 중 하나이자, 그 영예를 차지한 최초의 스페인어 프로그램으로 기록됐다.이 수상으로, Debí Tirar Más Fotos가 GRAMMY ‘Album of the Year’ 부문에서 사상 최초의 스페인어 앨범으로 선정된 것까지 더해져, 올해는 그야말로 분수령이 되는 한 해로 완성됐다.

배드 버니의 Apple Music Super Bowl LX Halftime Show가 2026 크리에이티브 아츠 에미상에서 후보에 오른 7개 부문을 모두 휩쓸며, 에미 역사상 가장 많은 상을 받은 슈퍼볼 공연으로 기록됐다. 푸에르토리코 출신의 슈퍼스타 배드 버니는 이번 수상으로 첫 에미상을 거머쥐었고, 13분간 펼쳐진 무대는 올 시즌 가장 많은 찬사를 받은 라이브 프로덕션 중 하나로 자리매김했다.

이번 석권은 스타 파워만큼이나 정교한 제작 역량이 뒷받침한 결과였다. ‘최우수 버라이어티 스페셜(라이브)’ 최고상과 함께 연출, 음악 연출, 안무, 사운드 믹싱, 조명 디자인, 기술 연출, 촬영 부문 트로피까지 거머쥐며 하프타임 쇼를 무대에 올리는 데 필요한 모든 요소를 입증했다. 각 부문은 공연을 완성한 서로 다른 전문 영역을 조명했다. 이 무대에는 레이디 가가와 리키 마틴이 게스트로 등장했고, 푸에르토리코의 이미지와 라틴 음악이 유기적으로 녹아들었다.

역사적으로 가장 무게감 있는 수상은 ‘최우수 버라이어티 스페셜(라이브)’ 부문이다. 슈퍼볼 하프타임 쇼가 이 부문의 최고 프로그램상을 받은 것은 닥터 드레, 스눕 독, 메리 J. 블라이즈, 에미넴, 켄드릭 라마, 50 센트가 함께한 2022년 공연에 이어 두 번째다. 더욱 의미 있는 점은 이 상을 받은 최초의 스페인어 프로그램이라는 사실이다. 이는 지난 약 1년 동안 배드 버니가 이어온 경계 허물기의 궤적과도 맞닿아 있다.

이번 에미상 수상은 Debí Tirar Más Fotos (I Should Have Taken More Photos)가 스페인어 앨범 최초로 그래미 ‘올해의 앨범’을 수상한 지 7개월 만에 이뤄졌다. 한 차례의 역사적인 행보 속에서 업계 최고 권위의 상 두 개를 연달아 쌓아 올린 셈이다. 그 중심에는 스페인어 예술을 이전에는 닿지 못했던 영역으로 꾸준히 확장해 온 작업 세계가 있다.

공연 자체는 배드 버니가 무대에서 전한 메시지로 시작됐다. 그는 쇼의 막을 올리며 “증오보다 더 강력한 것은 사랑뿐입니다”라고 말했다. 헤드라이너 발탁을 둘러싼 잡음 속에서 더욱 크게 울린 말이었다. 토요일 밤, 에미상 투표단은 자신들만의 답을 내놓았다.

슈퍼볼만이 전부는 아니었다. 배드 버니가 진행을 맡은 Saturday Night Live 시즌 첫 방송은 ‘버라이어티·논픽션·리얼리티 프로그램 최우수 메이크업’ 부문을 수상했다. 같은 날 밤, 그가 참여한 또 하나의 작품에도 에미상이 돌아간 것이다. 거의 모든 기준에서 이날 밤의 주인공은 배드 버니였다.

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요약

RIAA에 따르면 2026년 상반기 CD 판매량은 1,750만 장으로, 전년 대비 물량 기준 45.7% 급증했다.Luminate의 조사에 따르면 Gen Z와 밀레니얼 세대가 K-Pop 스페셜 에디션을 소장용 컬렉터블로 구매하면서 이러한 급성장을 주도하고 있는 것으로 나타났다.미국 음원 시장 전체 매출은 59억7천만 달러를 기록했으며, 주요 모든 카테고리에서의 성장률이 물가상승률을 상회했다.

컴팩트디스크가 공식적으로 다시 대세의 재생 목록에 올랐다. 미국레코드산업협회(RIAA)가 발표한 반기 보고서에 따르면, 2026년 첫 6개월 동안 CD 판매가 피지컬 미디어의 부활을 이끌었다. 이 협회의 리서치 부문 부사장 맷 배스는 올해 상반기에 CD 1,750만 장이 판매됐다고 밝혔다. 이는 2025년 같은 기간 판매량인 1,200만 장과 비교해 45.7% 증가한 수치다. 관련 시장 매출은 58.6% 늘어난 1억7,110만 달러에 달했다. 2024년부터 2025년 사이 판매량이 22% 급감한 뒤 나타난 이번 폭발적 증가는 CD 포맷의 전환점이 됐다.

이 레트로 기기 붐을 움직이는 동력은 순수한 오디오 애호가의 수요보다 팬 문화에 가깝다. 루미네이트 리서치에 따르면 올해 상반기 CD는 1,630만 장 판매됐으며, Z세대와 밀레니얼 세대는 주로 소장품으로 이 디스크를 구매하는 것으로 나타났다. 증가분 상당수는 BTS 등 K-팝 아티스트가 선보인 스페셜 에디션에서 비롯됐다. 미적 취향을 위한 구매가 워낙 큰 비중을 차지해, 전체 CD 구매자 중 실제 CD 플레이어를 보유한 사람은 약 절반에 불과하다. 이러한 소비 행태는 피지컬 음악을 고가의 비주얼 상품으로 다루며, 매출 증가가 물가상승률을 웃도는 시장 상황을 보여준다.

이 같은 부활은 피지컬 음반 시장 전반을 끌어올리고 있다. 바이닐은 지난해보다 판매량이 약 21% 늘어 2,650만 장을 기록하며, 여전히 상징적 포맷으로서의 위상을 굳히고 있다. 다른 피지컬 미디어의 틈새 카테고리도 가파른 상승세를 보였다. CD 싱글, DVD, 카세트테이프, SACD, DVD 오디오를 포함하는 이 빈티지 성향의 부문은 2026년 상반기 160만 장으로, 73% 이상 급증했다.

피지컬 매체를 향한 문화적 열광에도 디지털 생태계는 여전히 위계의 정점에 있다. 스트리밍 매출은 4.7% 증가한 49억 달러로, 녹음 음악 매출 가운데 가장 큰 비중을 유지했다. 유료 스트리밍 구독 매출은 6.4% 늘어난 34억 달러로 그 대부분을 차지했다. 무료 스트리밍은 3.7% 증가한 9억 달러의 매출을 냈다. 업계 기록에 따르면 2026년 상반기에는 주요 음악 매출 부문이 모두 성장했다. 미국 녹음 음악 시장의 전체 매출은 59억7,000만 달러로, 2025년 상반기 대비 6.9% 증가했다.

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요약

Beyoncé가 Bey Keeper Collector's Box라는 이름의 한정판 원목 바이닐 수납 박스를 출시했다.이 수제 솔리드 파인(소나무) 크레이트는 실제 바이닐 레코드는 포함하지 않은 채 가격이 미화 948.01달러로 책정됐다.온라인 팬들은 아무것도 들어 있지 않은 수납 박스 치고는 지나치게 높은 가격대라며 강한 반응을 보이고 있다.

비욘세가 실물 음반 컬렉션을 전시할 수 있도록 만든 한정판 수납 크레이트 ‘Bey Keeper Collector's Box’의 예약 판매를 공식 시작했다. 이번 제품은 비욘세의 45번째 생일과 앨범 B'Day 발매 20주년을 기념한다. 그러나 실제 음반은 전혀 포함되지 않은 제품의 가격이 948.01달러에 이르자, 온라인 팬들은 이를 두고 ‘바가지’라는 반응을 보이고 있다.

1981년 9월 4일인 그의 생년월일을 반영해 948.01달러로 책정된 이 수제 원목 소나무 크레이트는 비즈왁스 오일로 마감하고 짙은 녹색 벨벳을 안감으로 덧댔다. 전통적인 양봉가용 상자에서 영감을 얻은 이 수납함에는 맞춤 각인 디테일과 골드 하드웨어, 악어가죽 질감을 낸 가죽 스트랩이 더해졌다.

개별 번호가 매겨진 제품은 단 500개만 판매되며, 배송비와 세금까지 더하면 최종 결제액은 1100달러를 넘을 수 있다. 럭셔리 가격대에도 이 상자는 오직 수납용으로만 쓰이며 바이닐 레코드는 한 장도 포함하지 않는다. 이에 팬들은 빈 나무 상자치고 지나치게 비싸다며 소셜미디어에서 잇따라 비판을 쏟아내고 있다.

Bey Keeper Collector's Box는 현재 비욘세 공식 웹스토어에서 948.01달러에 예약 주문할 수 있으며, 주문 제품은 2026년 11월 1일 발송될 예정이다.

Beyoncé is charging $950 for an empty wooden crate 😭 pic.twitter.com/AtTtoYbPi5

— ⭐️AMANI (@amanialexandor) September 4, 2026

$1K for a wooden box , no vinyls included is insane robbery!

— _Khillz (@Damn_KhillzBadd) September 4, 2026

I don’t support animal leather but the fact the strap ain’t even real gator for the price is crazier 😭😭

— ✍🏾 (@cray0nbox_g0th) September 4, 2026

$948 is fucking insane. I actually hate the rich

— Ashanti Bailey (@AshantiB1738) September 4, 2026

this person spent OVER a thousand dollars on a box..a wooden box. i am flabbergasted even more so at beyoncé for even having the audacity to sell this but also at her stans for actually buying it ?????? https://t.co/QImu0qYpcu

— ki 𓍢ִ໋❀ (@hrryrem) September 4, 2026

Idk, Beyoncé… $948 for a wooden box. An EMPTY one at that?? https://t.co/q0qVj6GGMZ

— Chadeau (@Rapper_Chadeau) September 4, 2026

Me playing in my $900 Beyoncé box pic.twitter.com/0OapLOvIOA

— Taylor Gray (@offtaylorgray) September 4, 2026

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요약

JISOO가 새 싱스팝 솔로 싱글 "CLICK"을(를) Joseph Kahn 연출의 공식 뮤직비디오와 함께 공개했다.이번 트랙은 멈칫거리는 감정과 부인할 수 없이 강렬하게 끌어당기는 로맨틱한 케미스트리 사이의 긴장을 세밀하게 포착한다.울창한 수풀에 뒤덮인 폐 amusement park를 배경으로 한 뮤직비디오는 포스트 아포칼립스 풍의 다크한 동화 미장센과 기계 장치로 움직이는 carnival 피겨들을 결합해 독특한 비주얼을 완성한다.

JISOO가 Joseph Kahn이 연출한 매혹적인 공식 뮤직비디오와 함께 새 솔로 싱글 ‘CLICK’을 공식 공개했다. 전염성 강한 신스팝 그루브와 선명한 퍼커션이 이끄는 이 곡은 유쾌하고 로맨틱한 무드에 망설임의 기류를 절묘하게 교차시킨다. 가사에서 JISOO는 ‘모두에게 플러팅하는’ 상대를 향한 의심과 부인할 수 없는 강한 끌림 사이에서 저울질하며, 우정과 더 깊은 육체적 끌림의 미묘한 경계를 헤아린다. 리드미컬하고 중독적인 훅, ‘네 입술과 내 입술이, 클릭 / 우리는 꼭 맞도록 만들어졌어’를 중심에 둔 이 곡은 감수해야 할 위험을 알면서도 로맨틱한 끌림에 결국 마음을 내어주는 감정을 포착한다.

함께 공개된 뮤직비디오는 이 로맨틱한 긴장감을 식물이 무성하게 자란 버려진 놀이공원을 배경으로 한 기발한 종말 이후의 서사로 풀어낸다. 다크 페어리테일 미학에 SF 요소를 더한 영상 속 JISOO는 로봇 테디베어를 동반한 채 기계화된 카니발 마네킹과 빈티지 기계 놀이기구 사이를 오간다. 코르셋 발레 드레스부터 드라마틱한 블랙 레이스 가운까지 상반된 룩을 소화한 그는 조명이 켜진 정자 안에서 말쑥한 기계 인형과 왈츠를 추고, 이어 녹슨 롤러코스터를 타고 디스토피아적 스카이라인을 가로지른다.

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요약

슈퍼그룹 YAO는 Awich, ONE OK ROCK, Paledusk, CHICO CARLITO가 함께한 두 번째 싱글 “FOR OKINAWA”를 공개했다.묵직한 기타 리프와 열정적인 랩이 어우러진 이 트랙은 Okinawa의 역사에 깊이 천착하며 평화를 지향하는 메시지를 담고 있다.ONE OK ROCK 투어 피날레에 앞서 선공개된 이번 싱글은 이후 공식 뮤직비디오로도 이어질 예정이다.

Awich, ONE OK ROCK, Paledusk, CHICO CARLITO가 결성한 일본 컬렉티브이자 슈퍼그룹 YAO가 두 번째 싱글 ‘FOR OKINAWA’를 발표했다. 강렬한 에너지와 반항적 기조를 내세운 데뷔곡 ‘777’에 이어 선보이는 이번 곡은 오키나와의 역사와 문화유산, 그리고 과거가 남긴 지워지지 않는 상흔을 깊이 있고 개인적인 시선으로 되짚는다.

이 곡은 오키나와 출신인 Awich와 CHICO CARLITO가 밴드 멤버들과 나눈 솔직한 대화에서 출발했다. 뿌리를 기리고 평화를 옹호하겠다는 이들의 공동된 의지가 담겼다. 프런트맨 Taka(ONE OK ROCK)는 기존 스타일에서 벗어나 전례 없는 멜로디를 완성했으며, 묵직한 기타 리프와 열정적인 랩 플로, 감성적인 보컬 라인이 하나의 메시지를 중심으로 어우러지는 웅장하고 비상하는 듯한 사운드의 토대를 마련했다.

이번 싱글은 ONE OK ROCK의 전국 투어 대미를 장식할 이번 주말 마지막 DETOX Japan Tour 공연을 앞두고 공개됐다. 기대감을 더하는 가운데, Awich는 최근 자신의 Instagram 스토리를 통해 이번 주말 공연을 찾을 팬들에게 가사를 익혀 라이브 무대에서 함께 불러 달라고 열정적으로 당부했다. ‘FOR OKINAWA’가 담은 서사와 시각적 세계를 확장할 뮤직비디오도 곧 공개될 예정이다.

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Beyoncé가 자신의 2006년 앨범 B'Day 발매 20주년을 기념한 에디션을 공개했다. 이 앨범은 그녀의 생일인 9월 4일에 처음 발매된 작품이다.확장 디지털 버전은 총 31트랙으로 구성되며, 오리지널 트랙 리스트에 더해 그동안 공개되지 않았던 미발표곡 4곡이 새롭게 수록된다.Maluma, Selena Quintanilla와의 신규 컬래버레이션 트랙과 함께, 당시 시대를 정의했던 모든 뮤직비디오가 풀 리마스터 버전으로 함께 공개된다.

비욘세가 자신의 생일인 9월 4일에 맞춰 두 번째 앨범 B'Day의 20주년 기념 에디션을 공개했다. 디지털 재발매 앨범은 2006년 원곡들에 미공개 수록곡과 화제의 새 협업곡 두 곡을 더해 총 31트랙으로 확장됐다.

이번 재발매의 가장 큰 매력은 아카이브에서 꺼낸 미공개곡이다. ‘Creole’, ‘Back Up’, ‘Lost Yo Mind’, 퍼렐 윌리엄스가 피처링한 ‘Can I Watch You’까지, 기존에 공개되지 않았던 네 곡이 트랙리스트에 추가됐다. 여기에 2006년 오리지널 앨범의 리마스터 버전도 담겨, 이번 에디션은 원본 녹음을 확장하는 동시에 한층 정돈한 결과물이 됐다.

새롭게 추가된 트랙의 중심에는 두 곡의 협업이 있다. ‘Cuerpo Tumbao (Get Me Bodied)’는 비욘세와 말루마의 첫 협업곡으로, 셀리아 크루즈의 ‘La Negra Tiene Tumbao’를 샘플링해 완성됐다. 보도자료는 이 선택이 고인인 크루즈를 향한 비욘세의 존경에서 비롯됐다고 설명하며, 비욘세가 “아프리카 문화에 대한 크루즈의 자부심, 인종차별과 피부색 차별, 협소한 미의 기준 앞에서도 굽히지 않은 태도를 오랫동안 존경해 왔다”고 전했다. 두 번째 협업곡은 고(故) 셀레나 퀸타니야와 함께한 듀엣 ‘Irreemplazable (Como La Flor)’다. 셀레나 유족 재단의 승인을 거쳐 제작된 이 곡은 비욘세가 2007년 EP 《Irreemplazable》을 비롯한 스페인어 작업 전반에서 언급해 온 라틴 음악의 영향력을 이어간다.

이 시대의 비주얼 작업도 음원과 같은 방식으로 새롭게 다듬었다. 모두 35mm 필름으로 촬영된 뮤직비디오의 색감을 보정하고 4K로 마스터링했다. 20주년 에디션과 함께 공개된 소피 뮬러 연출의 ‘Déjà Vu’ 새 버전도 그중 하나로, JAY-Z가 참여했다.

비욘세는 7월 4일 ‘Morning Dew (Donk)’를 통해 20주년 기념 에디션을 처음 예고하며 공개일까지 60일 카운트다운을 시작했다. 이번 에디션의 기반이 된 오리지널 B'Day는 2006년 여름 발매와 동시에 앨범 차트 1위에 올랐고, 이후 미국음반산업협회(RIAA)로부터 5회 플래티넘 인증을 받았다. ‘Irreplaceable’, ‘Déjà Vu’, ‘Ring the Alarm’ 등의 히트곡도 이 앨범에서 탄생했다.

B'Day 20주년 기념 에디션은 Spotify와 Apple Music에서 감상할 수 있다.

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LISA가 새 힙합 싱글 "SaWaDiKa"와 공식 뮤직비디오를 동시 공개했다.묵직한 베이스가 중심이 된 이번 트랙은 태국의 대표 인사말을 당당한 자기 과시와 글로벌 성공을 선언하는 앤섬으로 재해석한다.Bangkok을 배경으로 한 뮤직비디오는 Muay Thai 복싱 링과 네온으로 물든 골목, 그리고 하이패션 스트리트웨어 스타일링을 하나로 교차시킨다.

글로벌 슈퍼스타 LISA가 새 싱글 ‘SaWaDiKa’로 돌아왔다. 태국적 뿌리에 대한 자부심 어린 헌사를 담은 공식 뮤직비디오도 함께 공개했다. 강렬한 힙합 에너지와 어우러지는 이 곡은 중독성 강한 베이스 중심의 비트 위로 날카로운 랩 플로우와 최면적인 훅을 펼친다. 익숙한 태국식 인사를 당당한 위상과 성공의 앤섬으로 전환한 것이 특징이다. 가사에서는 자신의 국제적 영향력과 럭셔리한 라이프스타일, 업계 최정상급 위치를 자신 있게 드러낸다. “안녕, 사와디카. 그래, 내 손목이 얼마나 차가운지 알잖아 / 이 시계는 제네바에서 가져왔어. 알 사람은 알겠지.”라며 노래한다. 공격적이고 리드미컬한 벌스와 자연스러운 카리스마가 균형을 이루며, 자신감 넘치고 거침없는 곡의 분위기를 완성한다.

함께 공개된 영상은 싱글을 한 편의 시네마틱 스펙터클로 확장한다. 거친 스트리트 미학, 아방가르드 패션, 전통문화가 어우러진다. 네온 불빛이 감도는 골목과 무에타이 경기장, 툭툭이 놓인 방콕 도심을 배경으로, LISA는 매끈한 블랙 의상을 차려입은 댄서 군단과 함께 에너지 넘치는 싱크로나이즈드 안무를 선보인다. 영상은 어둡고 미래적인 복도와 탁 트인 도시 풍경을 빠르게 오가며, 강렬한 깃털 장식 레더 룩과 선명한 터키석빛 헤어의 스트리트 룩을 대비시킨다.

LISA의 ‘SaWaDiKa’는 현재 모든 주요 스트리밍 플랫폼에서 감상할 수 있다.

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지난 주말, 브리스톨의 클리프턴 다운스는 포워즈 페스티벌을 맞아 사운드와 문화가 어우러지는 공간으로 탈바꿈했다.

뱅크 홀리데이 주말에 5주년을 기념해 열린 이번 페스티벌은 글로벌 아이콘부터 영국을 대표하는 레전드, 떠오르는 신예까지 엄선한 라인업으로 모아 기억에 남을 여름의 끝을 장식했다.

토요일에는 템스, 인디 신의 강자 웻 레그, 영국의 아이콘 셀프 에스팀이 여성 공동 헤드라이너 트리오로 무대의 중심을 이뤘다. 조이 크룩스, 골디, 에리카 드 카시에르의 세트는 메인 스테이지에 한층 더 풍성한 분위기를 더했다. 더 아치스 댄스 텐트에서는 크레이지 P와 루비가 밤늦도록 열기를 이어갔다.

일요일에도 페스티벌의 열기는 식지 않았다. 머큐리상 수상자 리틀 심즈를 필두로 호주의 펑크 밴드 에이미얼 앤 더 스니퍼스, 미국 아티스트 디종이 다이내믹한 라인업을 이끌었다. 짐 렉서시, 진 도슨, 프린세스 노키아의 추가 무대는 언더그라운드 신까지 아우르며 주말 내내 펼쳐진 음악의 폭을 보여줬다.

메인 스테이지 밖에서는 더 인포메이션 스테이지가 문화적 대화를 나누는 장을 마련하는 한편, 밤늦게까지 브리스톨 지역 아티스트들의 쇼케이스를 선보였다. 포워즈는 동시대 사운드를 한 차원 높게 조명하며 영국 페스티벌 캘린더에서 빼놓을 수 없는 행사로서의 입지를 확인했다.

하입비스트는 페스티벌 현장에서 프랑스 싱어송라이터 아나이스를 만났다. 그녀와의 인터뷰는 인스타그램에서 확인할 수 있다.

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지난 2월 열린 버버리의 2026 겨울 쇼에서 다니엘 리는 FKA twigs의 디스코그래피만으로 런웨이 사운드트랙을 구성했다. 모델들은 ‘How’s That’, ‘Keep it, Hold It’, ‘Sad Day’ 등의 트랙에 맞춰 런웨이를 걸었다. 런웨이에서 선보인 미학을 확장해, 리는 런던 패션 하우스의 2026 겨울 컬렉션을 위한 새 비주얼 캠페인을 공개했다. 이번 캠페인에는 twigs의 또 다른 사운드트랙이 더해졌으며, 그 역시 로미오 베컴과 함께 모델로 등장한다.

그야말로 홈커밍 캠페인이라 할 만하다. 버버리는 템스강과 주변 랜드마크를 배경으로 글렌 러치포드가 촬영한 이번 화보를 통해 뿌리로 돌아간다. 지난 2월의 런웨이 쇼가 타워 브리지 복제품까지 갖춘 올드 빌링스게이트 마켓 내부에서 열렸다는 점에서도, 이 장소는 완전한 순환을 이루는 순간이다.

리는 “FKA twigs와 로미오 베컴은 런던을 특별하게 만드는 에너지를 대표한다”며 “무엇이든 가능하게 느껴지는 곳이기에, 이번 시즌에는 우리의 고향 도시로 돌아오는 것이 자연스럽다고 생각했다”고 말했다.

 

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런던 특유의 퍼스널 스타일과 일상적인 옷차림의 독자적인 방식을 기리는 이번 캠페인에서 두 사람은 아우터웨어에 이브닝웨어를, 레더 실루엣에 레인웨어와 바이커 부츠를 매치했다. 폭넓은 구성은 소재 조달과 디자인 기법 모두에 적용한 장인적 접근 방식으로 연결된다. 트렌치코트의 요소는 린리 시어링 코트와 브러시드 모헤어 울 피스에 보이는 가죽 벨트와 커프로 재해석됐으며, 특히 러플 칼라의 혹스턴 트렌치코트에는 유연하게 흐르는 파유 디테일을 더했다.

twigs는 컬렉션의 핵심 피스인 올블랙 클레어 트렌치 재킷을 입었고, 베컴은 보다 절제된 버건디 래치퍼드 재킷을 선택했다. 캠페인 영상에는 컬렉션 런웨이 쇼 사운드트랙에도 포함됐던 twigs의 ‘Sticky’가 흐른다. 위에서 자세히 살펴보자.

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태민은 거의 20년간 팝 스타 역시 낯설고 불안한 존재가 될 수 있음을 보여줘 왔다. PHASE 1: Soft Violence는 그 주장을 가장 직설적으로 드러낸 작품이다. 앨범은 개미들이 각설탕을 뜯어내는 장면으로 시작한다. 한눈에 달콤하면서도 섬뜩하게 다가오는 이미지다. 이후 음반 곳곳에는 슬라임과 점토, 벽을 뚫고 난 구멍이 등장한다. 어느 하나 단순한 장식은 아니다. 각각은 그가 살아내고 품어온 여러 모습의 자신을 상징한다.

두 단어로 된 제목에는 앨범 전체의 논지가 담겨 있다. 샤이니와 SuperM의 핵심 멤버인 태민은 사랑스러움과 해로움을 상반된 것으로 보지 않고, 같은 재료에서 비롯된 것으로 다룬다. 제목 속 ‘폭력’은 바로 여기에서 나온다. 그는 “아름다움 안에는 잔혹함이 있다고 생각해요. 어떤 의미에서는 그것 역시 폭력의 한 형태일 수 있고요”라고 말한다. 자신의 역사도 같은 논리로 바라보며, 이를 성공과 상처로 나누려 하지 않는다. 힘들었던 시간과 기뻤던 시간은 모두 같은 토대가 됐고, 앨범 전반에 되풀이해 드러나는 상처는 지금 말하고 있는 한 사람의 태민을 만들어낸 수많은 태민의 모습이기도 하다.

앨범이 과거를 정리하는 기록이라면, 투어는 현재진행형으로 쓰인다. 그는 실제 변화가 일어나기 직전의 긴장 어린 멈춤, 즉 경계선을 뜻하는 말에서 따와 투어 제목을 ‘LiMiNaL’로 정했다. 이는 관객을 위한 콘셉트인 동시에 자신에게 보내는 메시지이기도 했다고 그는 솔직히 말한다. “‘LiMiNaL’은 경계 혹은 문턱에 서 있는 상태를 뜻해요. 지금까지 해오던 방식에서 한 걸음 더 나아가고 싶었기 때문에 이번 투어의 제목을 ‘LiMiNaL’로 정했습니다”라고 설명한다. 그는 이 시기를 지금 자신이 서 있는 문간에 비유한다. 그 너머에는 다음 장이 기다리고 있다. “어떤 면에서는 지금 그 경계에 서 있는 제 모습이 바로 ‘LiMiNaL’을 나타낸다고 생각해요. 그리고 이어질 ‘PHASE 2’를 통해서는 그 경계를 넘어 한 걸음 더 나아간 제 모습을 보여드리고 싶습니다.”

이 같은 추진력의 상당 부분은 캘리포니아 사막의 한 들판에서 비롯됐다. 태민은 한국 남성 솔로 아티스트 최초로 코첼라 무대에 올랐고, 그 순간의 규모는 분명 그의 마음속에 깊이 새겨졌다. 그는 “더 큰 시장과 더 큰 세상이 바깥에 있다는 것도 깨달았어요”라고 말한다. 특히 기억에 남은 것은 관객이 그 공간을 활용하는 방식이었다. 단지 공연을 지켜보는 데 그치지 않고 함께 움직이고 노래하는 모습은, 그가 자신의 일을 바라보는 감각을 조용히 새롭게 바꿔놓았다. 그는 “예전에는 주로 퍼포먼스 자체에 집중하며 음악에 접근하는 편이었어요. 이제는 관객의 입장에서 이 음악이 어떻게 느껴질지를 더 생각하게 됩니다”라고 말한다.

커리어가 이만큼 깊어진 이에게 이런 깨달음은 더 큰 무게로 다가온다. 데뷔 후 거의 20년이 흐른 지금, 태민에게는 이미 잘 작동하는 방식이 있다. 그리고 სწორედ 그 방식을 이제는 흔들어보고 싶다. 그는 “그동안 해오던 것을 계속 반복하기보다는, 앨범을 만드는 방식도 조금 다르게 시도해보고 싶어요”라고 말한다. 그 변화의 충동은 작사와 프로듀싱, 음반을 둘러싼 비주얼 세계를 구성하는 방식까지 이어진다. 다만 이를 재탄생으로 내세우지는 않는다. 그는 “지금 제가 넘고 싶은 경계는, 지금까지 잘해온 것들을 버리는 데 있지 않다고 생각해요. 그 경험들을 토대로 삼으면서도 새로운 방식을 탐색할 수 있게 하는 데 있죠”라고 말한다.

이만큼 긴 여정을 지나온 아티스트에게 ‘경계’에 관한 이야기는 자칫 브랜딩으로 굳어질 수도 있다. 하지만 태민은 이를 자신을 이곳까지 이끈 것을 놓지 않은 채 앞으로 나아가는 태도, 더 정확히는 하나의 훈련처럼 말한다. PHASE 1: Soft Violence는 그 조건을 제시한다. 그리고 PHASE 2는 그가 약속하듯, 그 경계를 통과하는 곳이 될 것이다.

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