요약

JENNIE가 청량한 무드의 새 팝 싱글 "Less than a Lover"를 스트리밍 플랫폼을 통해 공개했다.Lo-fi 기타와 키보드를 기반으로 한 이 곡은 여름날의 사랑을 둘러싼 꿈결 같은 분위기에 집중한다.Spain에서 촬영된 공식 뮤직비디오는 JENNIE를 이야기의 주인공이자 연출자로 담아낸다.

JENNIE가 돌아왔다. 신곡 「Less than a Lover」는 나른하게 스쳐 가는 여름 사랑의 정서를 담은 얼터너티브 팝 발라드다. 이전 솔로 히트곡에서 선보인 폭발적인 에너지와 강렬한 안무에서 벗어나, 기타 리프와 빈티지 일렉트릭 키보드, 절제하면서도 자연스러운 보컬을 바탕으로 한층 따뜻한 로파이 미학을 선보인다.

가사는 현대적인 계절 로맨스가 지닌, 말로 규정하기 어려운 자석 같은 끌림의 회색지대를 탐색한다. 가벼운 친구 관계와 온전한 감정적 헌신 사이에 의도적으로 머무는 관계다. JENNIE는 「I just want a summer kind of thing」이라고 노래하며 경계를 분명히 하는 한편, 순간이 지닌 끌림도 인정한다. 「More than a friend, but less than a lover / Just a little bit lighter, a little bit under」라는 가사처럼 말이다.

스페인 현지에서 촬영한 공식 뮤직비디오는 이러한 분위기를 영화적인 서사로 확장한다. 절제된 색감과 친밀한 프레이밍으로 담아낸 영상에서 JENNIE는 이 여름 사랑 이야기의 화자이자 감독으로 등장한다. 「사랑과 책임을 피하고 싶어 하는 소녀」의 시나리오를 들려주는 내레이션으로 시작해, 햇살 아래의 로드 트립과 햇빛이 쏟아지는 해안 고속도로, 고요한 풀사이드의 순간들을 담아낸다. 빈티지 로맨스 영화가 떠오르는 장면들이다.

위에서 JENNIE의 「Less than a Lover」 뮤직비디오를 감상할 수 있다. 곡은 현재 공개됐으며 Spotify와 Apple Music 등 스트리밍 플랫폼에서 들을 수 있다.

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요약

Charli xcx의 새 앨범 ‘Music, Fashion, Film’은 그녀의 brat 시기를 록–그런지 특유의 왜곡된 사운드로 응답한다.“SS26”, “Card Declined”와 같은 트랙들은 정체성과 과잉, 소비주의, 그리고 여러 페르소나를 집요하게 파고든다.총 11트랙으로 구성된 이 앨범에는 기타 리프가 주도하는 하이라이트 넘버들과 David Cronenberg가 낭독하는 모노로그로 마무리되는 피날레가 담겨 있다.

Charli xcx의 Music, Fashion, Film은 선언문인 동시에 스펙터클에 집착하는 팝 문화에 대한 유희적 비평이며, 자신의 brat 시대에 직접 პასუხ하는 작품이기도 하다. 거친 기타가 몰아치는 「Rock Music」부터 반짝이는 리프가 돋보이는 「Camera」까지, 앨범은 아이러니를 끌어안으면서도 부정할 수 없는 훅을 선사하는 모순의 미학 위에 서 있다. Charli의 표현은 좀처럼 문자 그대로의 의미에 머물지 않는다. 「SS26」에서 “the world is gonna end”라고 노래할 때도 종말을 경고하는 것이 아니라, ‘도덕적으로 순수한’ 페르소나를 유지해 온 자신의 경험을 비추는 것이다. 이 아이러니하면서도 깊이 내면을 파고드는 시선은 정체성, 이미지, 과잉을 탐구하면서도 팝 특유의 즉각적인 쾌감을 놓치지 않게 한다. 이번에는 중독성 강한 록 그런지 디스토션이 그 쾌감에 짙은 색채를 더한다.

변덕스럽고 폭발적인 오프닝 트랙 「Rock Music」이 앨범의 분위기를 단번에 설정한다. Charli는 헤드뱅잉을 부르는 육체성을 글리치로 가득한 세계에 녹여내며 “the dance floor is dead”라고 선언한다. 이후 앨범은 촘촘히 엮인 11곡의 서사를 따라 전개된다. 「Card Declined」에서는 퍼즈가 짙게 걸린 베이스 리프 위로, 완전히 새로운 페르소나를 쇼핑하듯 만들어 내는 소모적인 소비주의적 사고방식을 노래한다. 주얼리와 핸드백, 향수, 예거 르쿨트르 시계는 물론 마작 소파와 새 아파트까지, 럭셔리한 물건들은 모두 현실이 필연적으로 끼어들기 전 ‘이상적인 판타지’ 자아를 구축하는 데 동원된다.

가사적으로 앨범은 아이러니와 다크 유머, 의도적인 과장을 촘촘히 얽어 놓으며 힘을 발휘한다. Charli의 선언을 액면 그대로 받아들이기보다 행간을 읽어야 하는 이유다. 싱글 「SS26」에서 언급되는 종말론적 붕괴 역시 문자 그대로의 파괴를 말하기보다, 현대 인터넷의 도덕적 순수성 강박과 지나치게 연출된 페르소나, 온라인상의 공황을 익살스럽게 논평한다. 마찬가지로 「2007」은 그의 여정이 시작된 해를 낭만적으로 회고하며, 초기 언더그라운드 신의 땀으로 흥건한 안식처를 가리킨다.

「Magic Metal Montana」는 꿈결 같은 기타가 만들어 내는 스트록스풍의 아련한 사운드로 A.G. Cook에게 다정한 러브레터를 보낸다. 「Camera」는 렌즈를 창작적 재발명과 무대 불안을 우울하면서도 초조하게 탐색하는 장치로 바꿔 놓는다. 한편 「Wink Wink」는 업계가 그를 가두려 하는 제한적인 틀을 장난스럽게 풍자하고, 이는 유명 영화감독 David Cronenberg의 1분 분량 스포큰 워드 독백이 담긴 「No One Lasts Forever」의 내성적인 체념으로 이어진다.

Charli xcx의 Music, Fashion, Film은 현재 발매됐으며 Spotify와 Apple Music 등 주요 플랫폼에서 스트리밍할 수 있다.

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지난 주말 스미르노프 아이스가 네덜란드의 Dominator Festival을 다시 찾았다. 대규모 하드코어 이벤트에 전용 스테이지를 마련한 브랜드는 2000년대부터 오리지널 프리믹스와 연결돼 온 네덜란드 댄스 음악 신의 진화를 조명하는 프로그램을 선보였다.

이틀간 운영된 Cold Classics 스테이지는 같은 취향을 지닌 하드코어 댄스 팬들의 만남의 장이 됐다. 수십 년에 걸쳐 이 장르를 꾸준히 지지해 온 DJ들의 큐레이션 아래, 관객들은 1990년대까지 거슬러 올라가는 사운드를 다시 만났다. 헤드라이너 DJ AniMe를 비롯한 여러 아티스트가 이 무대에 올랐다. Satellite 스테이지에서 개버 테크노 세트를, 메인 스테이지에서 하드코어 세트를 선보인 뒤 Cold Classics에 오른 그는 자신의 음악적 뿌리인 하드코어로 돌아가는 무대를 펼쳤다.

“하드코어는 제게 모든 것이 시작된 곳이에요.” DJ AniMe는 자신의 세트 구성을 설명하며 이렇게 말한다. “사운드는 수년간 정말 많이 진화했어요. 그래서 클래식으로 돌아가는 일은 더욱 특별하게 느껴집니다. 네덜란드에서는 ‘하드코어는 절대 죽지 않는다’고 말하죠. 저도 그 말이 সত্য라고 믿어요. 계속 진화하겠지만, 결코 사라지지는 않을 거예요.”

개인 음악 아카이브를 다시 훑은 그는 당시 발매되던 멜로딕 하드코어의 흐름에 과감히 맞섰던 대표 클래식, “Detonate”, “A-Bomb”, “Hardcore Machine” 등을 들려주었다. 그는 이어 “아티스트로서 늘 제 감정을 음악에 담으려 해요. 시간이 지나며 사람들이 제가 전하고자 한 바를 정말 잘 알아듣는다는 걸 깨달았죠. 그건 말보다 더 멀리 나아가는 무언가예요. 내면으로 느끼고 나면, 어느 순간 딱 맞아떨어지는 느낌이 오죠”라고 덧붙였다.

댄스플로어에서는 관객들이 이 공동의 경험으로 연결되는 가운데, 스미르노프 아이스는 Freeze Point 액티베이션을 통해 이들의 교감을 더욱 끌어올렸다. 바람과 조명, 스모크, 특수 효과를 결합한 몰입형 연출은 군중 전체에 시원함을 선사했다. 관객들은 스미르노프 아이스 바에서 제품을 시음하고 공간 곳곳의 인터랙티브 전시를 둘러보며, Cold Classics라는 전체 테마를 다채롭게 경험할 수 있었다.

스미르노프 아이스 스테이지를 돌아보며 DJ AniMe는 이렇게 말했다. “브랜드가 아티스트를 지원하는 건 단순히 이벤트를 후원하는 일이 아니에요. 새로운 기회를 만들고, 사람들을 모으고, 씬이 계속 진화하도록 돕는 일이죠. 가장 좋은 협업은 아티스트와 관객, 브랜드 사이에 진정한 연결이 있을 때 이뤄집니다. 이번에는 그 조합이 자연스럽게 어우러졌어요.”

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Dominator Festival에서 선보인 스미르노프 아이스에 대해 더 알아보려면 위 게시물을 확인하거나 브랜드의 Instagram 페이지를 방문하면 된다.

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요약

Universal Pictures가 Snoop Dogg의 전기 영화인 Snoop의 북미 개봉일을 2027년 8월 6일로 확정했다.Outer Banks로 얼굴을 알린 Jonathan Daviss가 타이틀 롤을 맡고, 연출은 Craig Brewer가 담당한다.이 작품은 Death Row Pictures와 NBCUniversal 간 체결된 전체 제작 계약 아래 진행되는 첫 프로젝트라는 점에서도 의미가 크다.

Snoop Dogg의 일대기가 마침내 스크린에 오른다. Universal Pictures는 아티스트이자 사업가, 갱스터 랩의 아이콘인 그의 삶을 다룬 이 전기 영화의 개봉일을 2027년 8월 6일로 확정했다. 한여름 성수기 개봉으로, 앞서 제목 미정의 Universal 이벤트 영화에 배정됐던 개봉일을 차지하게 됐다.

Netflix 시리즈 Outer Banks로 이름을 알린 Jonathan Daviss가 힙합계에서 가장 널리 알려진 인물 중 한 명인 Snoop Dogg 역을 맡는다. 연출은 Joe Robert Cole이 초고를 쓴 각본을 직접 수정한 Craig Brewer가 맡는다. Hustle & Flow와 최근작 Song Sung Blue를 연출한 Brewer는 폭넓은 이력을 갖췄으며, 영화에는 Snoop의 방대한 음악 카탈로그에서 가져온 곡들이 삽입될 예정이다.

탄탄한 제작진도 뒷받침한다. 이번 작품은 Death Row Pictures가 NBCUniversal과 맺은 포괄적 계약에 따라 선보이는 첫 프로젝트다. 프로듀서로는 8 Mile의 베테랑인 Imagine Entertainment의 Brian Grazer를 비롯해 Snoop Dogg 본인과 Death Row Pictures 사장 Sara Ramaker가 참여한다. 이 라인업은 유명인의 이름을 앞세운 일회성 흥행 노림수가 아니라, 규모감 있는 영화가 될 것임을 시사한다.

Universal은 이 분야에 익숙한 스튜디오이기도 하다. Straight Outta Compton부터 8 Mile까지 전기 영화 제작 이력을 쌓아왔고, 최근에는 Michael Jackson을 다룬 영화 Michael의 전 세계 흥행 수익이 10억 달러를 넘기는 데 일조했다. Snoop의 이야기가 이 계보에 합류하는 만큼 기준도 높다. 스튜디오는 웨스트코스트의 전설인 그의 이야기가 그 기대에 부응할 수 있다고 확신하는 듯하다.

Snoop은 Universal Pictures 배급으로 2027년 8월 6일 미국 극장에서 개봉한다. 공식 예고편 공개 소식을 기다려보자.

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요약

Charli xcx가 일곱 번째 정규 앨범 ‘Music, Fashion, Film’에서 네 번째 싱글인 “Camera”를 공개했다.락적인 색채를 더한 일렉트로닉 트랙으로, 스타덤이 안겨주는 불안과 중독적인 황홀감을 탐구하는 곡이다.Aidan Zamiri가 연출한 흑백 뮤직비디오에서는 사막을 배경으로 한 원테이크 구성을 통해 Vincent Cassel과 Charli xcx가 함께 등장한다.

Charli xcx가 일곱 번째 정규 앨범 Music, Fashion, Film의 네 번째 선공개 싱글 ‘Camera’를 통해 스타덤이 지닌 실존적 무게를 응시한다. 이전 싱글에서 구축한 록의 결이 가미된 일렉트로닉 사운드를 이어가는 이 트랙은 취약한 자기 의심과 무대에 서고자 하는 강렬한 욕망을 팽팽하게 교차시킨다.

Charli는 “음악을 만들고 싶은 걸까 / 내가 존나 멍청한 건가?”라고 자문하며 예술가로서 쏟아지는 평가의 무게와 씨름하다가, 이내 대중의 시선이 선사하는 도취감에 몸을 맡긴다. 가사에서 렌즈는 해방인 동시에 위협으로 그려진다. 그는 “카메라가 켜지면 / 난 내가 되고 싶은 무엇이든 될 수 있어”라고 노래하며, 그 감각을 “총구 속을 들여다보는” 일에 비유한다. 결국 ‘Camera’는 창조적인 재창조를 통해 본래의 자신에게서 벗어나는 짜릿함과, 대중 앞에서 실패할 위험에도 예술적 모험을 받아들이는 태도를 담아낸다.

오랫동안 비주얼 작업을 함께해 온 협업자 Aidan Zamiri가 연출한 뮤직비디오는 이러한 주제를 사막의 영화 세트장에서 촬영한 풍자적인 원테이크 영상으로 풀어낸다. 전체를 흑백으로 담은 이 영상에서 프랑스 배우 Vincent Cassel은 피비린내 나는 극적인 죽음 장면을 촬영하려는 영화배우로 등장하지만, 작동하지 않는 혈액 폭발 장치와 기술적 오류, 불꽃을 튀기는 장비 탓에 번번이 촬영이 중단된다. 영상 중반, Charli는 꽃 자수 카프리 세트를 입고 움직이는 카메라 돌리 위에 올라탄 감독으로 프레임에 들어선다. Cassel의 좌절이 점점 고조되는 모습을 차분히 지켜보다 그를 향해 손가락 총을 겨누는 장면은 영상에 음울하면서도 메타시네마적인 분위기를 더한다. 이 서사는 고되고 반복적인 영화 제작의 부조리를 담아내며, 퍼포먼스와 대중의 시선이 주는 압박을 성찰하는 곡의 주제와 맞닿는다.

뮤직비디오는 상단 갤러리에서 감상할 수 있다. ‘Camera’는 현재 Spotify와 Apple Music을 비롯한 주요 스트리밍 플랫폼에서 들을 수 있다. 큰 기대를 모으는 Charli xcx의 새 앨범 Music, Fashion, Film은 이번 주 후반인 2026년 7월 24일 공식 발매된다.

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COLORSxSTUDIO의 철학은 언제나 단순한 배경을 훌쩍 넘어섰다. 베를린 기반의 이 음악 플랫폼은 거의 10년간 감각적인 음악 큐레이션을 선보여왔지만, 이달 초까지만 해도 미국에서 COLORS를 만나는 방법은 온라인뿐이었다.

하지만 그것만으로도 충분했다. 매주 최소 한 편, 보통은 두 편의 COLORSxSTUDIO 뮤직비디오가 YouTube에 공개됐고, 미국의 COLORS 팬들은 전 세계 뮤지션이 선보이는 가장 미학적으로 완성도 높은 퍼포먼스 영상을 꾸준히 즐길 수 있었다. 2016년 COLORS 출범 이후 A급 스타부터 신예까지 아우르며 계속 확장해온 이 집단의 폭넓은 인적 네트워크를 보여주는 대목이다. 음악 발굴 분야에서 이 독일 플랫폼이 발휘해온 영향력은 독보적이다.

선명한 세룰리언 블루, 블러드 오렌지, 버터 옐로 가운데 어떤 색을 배경으로 하든 COLORS의 YouTube 퍼포먼스 영상은 평균 3,000만 회에 가까운 조회 수를 기록한다. 이 수치는 계속 치솟고, 포스트 코로나 시대의 라이브 음악 열기도 한창이며, 뉴욕은 근래 가장 활기찬 여름을 보내고 있다. 지금이야말로 이 플랫폼을 도시로 불러들일 더없이 좋은 때가 아닐까.

COLORSxSTUDIO의 커뮤니티 중심 철학을 바탕으로 한 오프라인 프로젝트는 그렇게 현실이 됐다. 뉴욕시에 첫 상설 스튜디오의 문을 연 것이다. 브루클린에 자리한 새 본부는 그동안 휴대폰 화면으로만 접해온 플랫폼의 핵심 가치를 미국 현지의 물리적 공간으로 구현한다.

기대감을 모았던 개장을 전통적인 미디어 캠페인이나 론칭 방식으로 알리는 대신, COLORS는 자신들이 가장 잘하는 방식을 택했다. 사흘간 TONES of NYC를 열어 새 보금자리를 무료 프로그램이 즉각 펼쳐지는 허브로 탈바꿈시킨 것. 라이브 음악을 배경으로 문화와 커뮤니티 형성, 교류가 생동감 있게 어우러졌다.

Kelela의 new avatar 앨범 발매 파티부터 금요일 밤 Herbert Von King Park에서 열린 Summerstage 테이크오버까지, COLORS와 TONES of NYC가 개장 첫 주에 준비한 프로그램을 살펴본다.

낮을 채운 로컬 DJ 라인업

화요일부터 목요일까지 정오부터 오후 4시까지 Bushwick의 COLORSxSTUDIOS 본부에서는 Half Moon과 함께하는 라이브 DJ 세트가 이어졌다. Ballantines와 함께한 ‘Half Moon in residence’ 프로그램은 힙합, 오픈 포맷/일렉트로닉, 캐리비안이라는 각기 다른 테마 아래 뉴욕의 떠오르는 DJ들을 조명했다. 첫날에는 Jamesy, Cutbird, Jeannel Briu, Godspeed가, 둘째 날에는 Noah G, Denise Renée, Ken Dollaz, Goldie Harris가 부스를 지켰다. 마지막 날은 Khalil, Citizen, Jfuse, Sounds of Reality가 장식했다.

Infinity Song과 함께한 친밀한 밤

첫날 밤, TONES는 Momo Boyd를 비롯한 남매 4인조 Infinity Song을 초청해 첫 공연을 열었다. 무대에 앞서 그룹 전원이 참여하는 보기 드문 패널 토크도 진행됐다. Levi’s 룩을 갖춰 입은 Abraham, Angel, Israel, Momo Boyd는 COLORS 무대에 앉아 창작 과정과 영감, 남매로 함께 작업하는 일에 관해 이야기를 나눴다. 이어 대표곡과 신곡을 아우르는 매혹적인 라이브 세트를 선보였다. Boyd 남매는 빼곡히 들어찬 객석을 누비며 관객과 춤추고 마이크를 주고받았고, 그 모든 순간을 너무도 자연스럽게 이끌었다.

Storage가 선보인 3일간의 패션 마켓플레이스

패션 마켓플레이스 플랫폼 Storage는 본부에 오프라인 매장을 열고, 뉴욕의 빈티지 셀러와 KidSuper, Advisry, Tommy's Gift Shop 등 로컬 브랜드의 상품을 큐레이팅해 선보였다. 의류와 컬렉터블, 신발, 액세서리까지, Storage의 TONES of NYC 거점에는 없는 것이 거의 없었다.

WHATMORE가 무대 위로 옮긴 COLORS 퍼포먼스

수요일 밤의 주인공은 WHATMORE였다. COLORS의 커뮤니티 중심 철학을 완벽히 보여주는 이 5인조는 COLORS 영상 공개 7개월 만에 본부 무대에 올라 미공개 곡까지 포함한 강렬한 세트를 선보였다. LaGuardia High School에서 처음에는 친구로 만나 밴드 동료가 된 이들은 말 그대로 뉴욕의 거리에서 만들어진 팀이다. 공연장을 채운 에너지는 뉴욕의 여름을 고스란히 닮아 있었다. 공연 후에는 Cisco Swank가 농구 골대에 제대로 된 덩크를 꽂으며 밤을 마무리했다.

Street Dreams: A Love Letter to the City 사진전

브루클린 허브에서 한 주 내내 열린 Street Dreams: A Love Letter to the City 사진전은 지역 사진가들의 렌즈를 통해 뉴욕의 거리를 향수 어린 시선으로 돌아봤다.

Lekan 라이브 공연

목요일 브루클린 스튜디오의 라이브 공연을 마무리한 이는 다름 아닌 Lekan이었다. 지난 3월 COLORS로 데뷔한 떠오르는 나이지리아계 미국인 R&B 아티스트는 목요일 밤 무대에 올라 폭넓은 라이브 공연을 선보였다.

Mereba, Mack Keane, Arima Ederra가 함께한 TONES of NYC의 Summerstage 테이크오버

금요일, TONES는 브루클린의 또 다른 장소로 향했다. 유서 깊은 Bed-Stuy의 Herbert Von King Park에서 Summerstage와 손잡고 또 하나의 무료 라이브 공연을 선보인 것. TONES의 Summerstage 테이크오버에는 Arima Ederra, Mack Keane, 헤드라이너 Mereba 등 떠오르는 세 아티스트가 참여해 따뜻한 여름밤, 각자의 풀 세트를 들려줬다.

Kelela의 new avatar UNLOCKED 리스닝 및 발매 파티

그날 밤 늦게 쇼의 중심에 선 것은 Kelela였다. 많은 기대를 모은 컴백 앨범 new avatar 발매를 몇 시간 앞두고, 그는 COLORS와 함께하기로 했다. YouTube Music과 협업해 앨범 발매 전 리스닝 이벤트와 발매 파티를 모두 연 것. 파티는 밤새 계속됐다.

One Love Community Fridge가 진행한 EAT.PACK.GIVE

수요일 밤 WHATMORE의 공연에 앞서 One Love Community Fridge는 스튜디오에 팝업을 열어 공동 식사와 커뮤니티 봉사 활동을 진행했다. 함께 식사한 뒤 참석자들은 맨해튼과 브루클린 전역에서 도움이 필요한 이들에게 신선하고 건강한 무료 식품을 쉽게 제공한다는 One Love Community Fridge의 사명을 위해 식사 상자를 포장했다.

Levi’s 커스터마이징 스테이션

Levi’s는 한 주 내내 현장에서 Levi’s 커스터마이징 스테이션을 운영했다. 방문객들은 하나뿐인 스크린 프린트 머천다이즈를 구매하는 것은 물론, 스테이션에서 디자인에 자신만의 디테일을 더해 더욱 개성 있게 완성할 수 있었다.

Sarah Lola의 비공개 COLORS 프리미어

목요일 오후 열린 Sarah Lola의 이벤트는 일반에 공개되지 않은 유일한 프로그램이었다. 하지만 COLORS는 Lola의 열성 팬들에게 특별한 참여 기회를 제공했다. 친구와 가족만을 위한 친밀한 공연에서 떠오르는 싱어송라이터이자 멀티 인스트루멘털리스트인 Lola는 새 Bushwick 본부에서 COLORS 데뷔 무대를 가졌다. 선명한 빨간 배경 앞에서 COLORS 영상을 촬영했으며, 새 공간에서는 처음으로 엄선된 라이브 관객 앞에서 이를 진행했다.

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요약

Sue Kim이 연출하고 Sony Music Vision이 제작한 신규 다큐멘터리 ‘Always Lalisa’가 2026 Toronto International Film Festival의 Gala 프로그램에서 월드 프리미어로 공개될 예정이다.이 작품은 어린 시절부터 함께해 온 BLACKPINK로부터 처음으로 한 걸음 물러난 LISA가 솔로 음악 활동, 연기 데뷔, 그리고 글로벌 규모의 브랜드 구축이라는 압박 사이를 헤쳐 나가는 과정을 조명하며, 그의 인생에서 결정적인 전환점이 된 1년을 기록한다.이번 작품은 RCA Records, Tremolo Productions, Salt Water Productions, LLOUD CO 등 다수 레이블이 참여하는 멀티 레이블 구조를 기반으로 제작되었으며, 총괄 프로듀서진에는 Morgan Neville도 이름을 올렸다.

Sony Music Vision이 장편 다큐멘터리 Always Lalisa를 공식 발표했다. 이 작품은 K-팝 아티스트의 솔로 활동 역사상 가장 निर्ण정적인 한 해로 꼽힐 만한 시간을 보낸 LISA를 따라간다. Sue Kim 감독이 연출을 맡았으며, 2026년 토론토 국제영화제 갈라 프로그램에서 월드 프리미어로 공개된다. BLACKPINK 멤버인 LISA의 솔로 행보는 음악의 경계를 훌쩍 넘어 확장됐고, 그만큼 이 다큐멘터리는 단순한 홍보 콘텐츠라기보다 반드시 남겨야 할 문화적 기록에 가깝다.

영화의 서사는 구조적으로도 극적인 하나의 전제에서 출발한다. 어린 시절 이후 처음으로 LISA가 BLACKPINK를 떠나 온전히 독립적인 1년을 보냈다는 사실이다. 이 설정은 작품을 콘서트 필름이나 비하인드 영상 그 이상으로 만든다. 솔로 커리어를 시작하고, 연기에 도전하며, 브랜드를 구축하는 과정에서 마주하는 두려움과 압박을 담은 시간제한의 이야기이기 때문이다. 스포트라이트가 닿지 않는 곳에 있는 개인의 삶을 지켜낼 여지도 확보해야 하며, 그 모든 시간에는 그룹 복귀라는 분명한 끝이 정해져 있다.

이 시점이 유독 강렬하게 다가오는 이유는 LISA가 그 시간 안에 압축해 넣은 성취의 밀도에 있다. 약 12개월 동안 그는 Anitta, Rema와 함께 2026 FIFA 월드컵 개막식 무대에 올라, 이 무대에 선 최초의 여성 K-팝 아티스트이자 최초의 태국 아티스트가 됐다. 2025년 Coachella에는 솔로 아티스트로 출연했고, HBO의 The White Lotus로 연기 데뷔를 알렸다. 또한 2026 Met Gala 호스트 위원회에 합류하며 K-팝 아티스트 최초의 기록을 또 하나 세웠다. 2026 Golden Globes에서는 시상자로 나섰고, Vanity Fair 2026년 여름호 표지를 장식했으며, 넷플릭스 프로젝트 2편을 발표했다. 이어 Caesars Palace의 The Colosseum에서 4회 공연으로 구성된 ‘VIVA LA LISA’ 라스베이거스 레지던시를 열어 10분도 안 돼 전석 매진을 기록하며, 라스베이거스 레지던시를 개최한 최초의 K-팝 아티스트가 됐다.

한 아티스트가 음악에서 영화로, 페스티벌 무대에서 제도권 패션계로, 투어에서 레지던시로 영역을 넓히며 그 모든 분야에서 최초의 기록을 쓴 한 해였다. BLACKPINK는 이미 LISA를 전 세계에서 가장 많은 팔로워를 보유한 인물 중 한 명으로 자리매김시켰고, 그의 소셜 미디어 영향력은 수시로 엔터테인먼트 대기업 전체를 앞질렀다. 그러나 이 솔로 활동의 1년은 그를 그룹 멤버 이상의 존재, 주요 엔터테인먼트 분야 전반에서 동시에 독자적으로 영향력을 발휘하는 문화적 주체로 새롭게 각인시켰다.

Always Lalisa는 2026년 토론토 국제영화제에서 월드 프리미어로 공개된다. 더 넓은 공개 일정은 추후 발표될 예정이다.

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요약

Miki Matsubara가 1979년에 발표한 싱글 "Mayonaka no Door~stay with me"가 Spotify 스트리밍 5억 회를 돌파했다.20세기에 발표된 Japanese 트랙 가운데 최초로 이 기록을 달성하며, 글로벌 City Pop 붐을 더욱 가속시키고 있다.이 타임리스 클래식은 전 세계에서 각종 국제 음악상과 영화 사운드트랙 러브콜을 꾸준히 받으며 여전히 영향력을 이어가고 있다.

Miki Matsubara의 전설적인 1979년 데뷔 싱글 “Mayonaka no Door~stay with me”가 Spotify 누적 스트리밍 5억 회를 돌파하며 역사적인 이정표를 세웠다. 이로써 이 곡은 역대 10번째로 5억 스트리밍을 돌파한 일본 노래가 됐으며, 20세기에 발표된 일본 음악 가운데서는 최초로 이 기록을 달성했다.

디지털 네이티브 세대와 해외 리스너를 중심으로 사랑받은 이 곡은 글로벌 시티 팝 부흥을 이끈 핵심 축으로 자리매김했다. 2020년 12월 Spotify 글로벌 바이럴 차트에서 18일간 1위를 지키며 이례적인 장기 흥행의 서막을 열었고, 이후 Billboard Global Japan Songs Excl. Japan을 비롯한 해외 차트 상위권에서 꾸준한 존재감을 이어가고 있다.

주요 국제 엔터테인먼트 산업 전반으로 영향력을 넓혀가며, 이 곡의 글로벌 열기는 좀처럼 식지 않고 있다. “Mayonaka no Door~stay with me”는 Music Award Japan 2026에서 2년 연속 ‘라틴아메리카 최고의 일본 노래’ 부문 후보에 올랐다. 음원 스트리밍을 넘어 전 세계 영상 크리에이터와 영화 스튜디오의 관심도 계속되고 있으며, 미국·프랑스·한국·싱가포르·체코에서는 사운드트랙 사용을 위한 라이선스 제안이 꾸준히 이어지고 있다. 최초 발표 후 반세기 가까운 시간이 흐른 지금, Matsubara의 시대를 초월한 명곡은 부정할 수 없는 문화적 가교이자 세계 무대에서 일본 음악을 상징하는 존재로 자리하고 있다.

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요약

Future의 새 앨범 The Real Me가 스트리밍 열풍에 힘입어 13만1,000장의 앨범 환산 실적으로 Billboard 200 차트 1위로 데뷔했다.이로써 Future는 통산 12개의 빌보드 200 1위 앨범을 보유하게 되었으며, Eminem을 제치고 전체 순위에서는 Drake, Taylor Swift, JAY-Z, The Beatles에 이어 뒤를 잇는 기록을 세웠다.이번 프로젝트는 2024년 Metro Boomin과 함께 연이어 정상에 올린 컬래버레이션 앨범 이후 Future가 선보이는 첫 솔로 작품이다.

Future의 The Real Me가 빌보드 200 차트 1위로 데뷔했다. 이로써 애틀랜타 출신 래퍼 Future는 통산 12번째 차트 정상 앨범을 기록하며, 힙합 역사상 가장 강력한 상업적 영향력을 지닌 아티스트 중 한 명으로서의 입지를 더욱 공고히 했다. 루미네이트에 따르면 앨범은 7월 16일 마감된 집계 주간 미국에서 13만1,000 앨범 등가 유닛을 기록하며 7월 25일자 차트 정상에 올랐다.

이 성적의 대부분은 스트리밍이 이끌었다. 전체 13만1,000 유닛 가운데 스트리밍 등가 앨범 유닛은 11만8,000 유닛으로, 공식 온디맨드 스트리밍 1억2,029만 회에 해당한다. 이에 힘입어 앨범은 톱 스트리밍 앨범 차트에서도 1위로 데뷔했다. 앨범 판매량은 1만3,000 유닛으로, 톱 앨범 세일즈 차트에서 9위로 첫 진입했다. 앨범은 11트랙 스탠더드 다운로드 에디션, 22트랙 스트리밍 에디션, 사인반을 포함한 두 가지 버전의 21트랙 CD, 네 가지 버전의 13트랙 바이닐 등 다양한 포맷으로 출시됐다.

빌보드 200에서 12번째 1위 앨범을 배출한 Future는 랩 아티스트 가운데 세 번째로 많은 1위 앨범 기록을 단독으로 보유하게 됐다. Eminem의 11장 기록을 넘어선 결과다. 전 장르를 통틀어 Future보다 더 자주 정상을 차지한 아티스트는 The Beatles(19장), Drake와 Taylor Swift(각 15장), JAY-Z(14장)뿐이다. 이번 기록은 10년 넘게 이어져 온 Future의 1위 행진에 또 하나의 이정표를 더했다. 그의 차트 행보는 힙합의 스트리밍 시대를 상징해 왔다. The Real Me는 Future가 2024년 Metro Boomin과 함께 연이어 1위에 올린 컬래버레이션 앨범 We Don't Trust You와 We Still Don't Trust You 이후 처음 선보이는 솔로 스튜디오 앨범이다. 신보는 6월 15일 발표됐으며, 열흘 뒤인 6월 25일 7월 9일 발매가 확정됐다. 리드 싱글 ‘Radio’는 6월 26일 공개된 후 핫 랩 송즈와 핫 R&B/힙합 송즈 차트에서 모두 톱 25에 진입했다.

최신 빌보드 200에서는 과거 1위에 올랐던 앨범 다섯 장이 Future의 뒤를 이어 톱 6에 자리했다. Olivia Rodrigo의 you seem pretty sad for a girl so in love는 9만6,000 유닛으로 2위를 지켰고, Morgan Wallen의 I'm the Problem은 3위로 상승했다. Ella Langley의 Dandelion은 4위에 머물렀으며, Noah Kahan의 The Great Divide는 5위로 올랐다. Drake의 ICEMAN 은 6만1,000 유닛으로 6위까지 내려왔다. The Rolling Stones 역시 Foreign Tongues로 7위에 데뷔했다. 5만3,000 유닛을 기록한 이 앨범으로 빌보드 200 톱 10 진입 횟수는 통산 39회로 늘어나며, 이 부문 역대 최다 기록을 이어갔다. Michael Jackson의 Thriller는 4만1,000 유닛으로 8위를 유지했다. Heated Rivalry 사운드트랙은 CD와 바이닐 에디션 발매에 힘입어 4만1,000 유닛으로 9위에 데뷔했는데, TV 시리즈 사운드트랙이 빌보드 200 톱 10에 처음 진입한 사례로는 10여 년 만이다. Morgan Wallen의 One Thing at a Time은 3만7,000 유닛으로 11위에서 10위로 오르며 차트 상위권을 마무리했다.

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요약

Ludwig Göransson이 Christopher Nolan의 화제작 영화화 작품 ‘The Odyssey’를 위해 제작한 오리지널 사운드트랙을 공식 발매했다.이번 영화의 사운드트랙은 James Blake와 Travis Scott이 참여한 강렬한 협업 트랙 "When I'm Home"으로 대미를 장식한다.Travis Scott은 이 프로젝트에서 음악 참여는 물론, 극 중 음유시인(bard)으로 직접 등장하며 1인 2역 활약을 선보인다.

Ludwig Göransson과 Christopher Nolan이 James Blake와 Travis Scott이 참여한 인상적인 엔드 크레디트 테마곡 ‘When I’m Home’을 공식 공개했다. Nolan의 대작 The Odyssey가 극장 개봉하는 것과 동시에 발표된 이 화제의 트랙은 영화 오리지널 사운드트랙의 대미를 장식한다.

이 곡은 Blake 특유의 소울풀한 화음과 Scott의 독특하고 환각적인 벌스가 만난 대형 크리에이티브 협업이다. Christopher Nolan 감독이 직접 공동 작곡한 ‘When I’m Home’은 실험적인 프로덕션과 신화적 서사를 아우르는 분위기 속에서 영화의 장대한 스케일을 고스란히 담아낸다.

Scott의 참여는 음악에만 그치지 않는다. 그는 영화 도입부에 음유시인으로 직접 등장하며, 이후 잠시 같은 역할로 다시 모습을 비춘다. ‘When I’m Home’은 외부 뮤지션이 참여한 사운드트랙의 유일한 곡이지만, 오리지널 사운드트랙에는 Samantha Morton이 상징적인 마녀 여신 역으로 연기하며 노래한 ‘Circe’도 수록됐다.

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7월 첫 New Music Friday는 연휴 주말과 겹쳤다. 그래서 두 번째는 더없이 제대로 돌아와야 했다. 7월 첫 2주간 공개된 곡 가운데 이번 달 플레이리스트에 추가한 모든 트랙을 소개한다.

프로젝트

Ken Carson – xperiment

Chaos 시대는 끝났고, xperiment 시대가 도래했다. Opium의 Ken Carson이 다섯 번째 정규 앨범을 발표했다. Opium 크루 Destroy Lonely와 Playboi Carti를 비롯해 Lil Uzi Vert, Young Thug까지 화려한 피처링진이 힘을 보탰다.

SIENNA SPIRO – Visitor

눈부신 도약의 한 해를 보낸 SIENNA SPIRO가 데뷔 정규 앨범 Visitor를 공개했다.

JAŸ-Z – 444 (Deluxe)

JAŸ-Z30 프로젝트가 이어지는 가운데, JAŸ-Z는 자신의 디스코그래피를 계속 기념하고 있다. HOV의 열세 번째 앨범 발매 9주년을 맞아 바이닐 버전에만 담겼던 보너스 트랙 세 곡을 스트리밍 서비스에 추가했다. 그중 한 곡이 바로 "Blue's Freestyle"이다.

싱글

Jorja Smith x Wizkid – "Alive"

그야말로 드림팀이다.

DESTIN CONRAD – “Nervous”

떠오르는 R&B 스타가 선보인 또 하나의 탄탄한 신곡.

AKTHESAVIOR – "HAVE HOPE"

AKTHESAVIOR는 올여름 싱글을 연이어 내놓고 있으며, 그 최신작이 바로 "HAVE HOPE"다.

Larry June – "Organic Motion"

앨범 발매를 앞둔 Larry June이 프로젝트의 리드 싱글 "Organic Motion"을 공개했다.

Rico Nasty – "Cupcake"

Rico Nasty의 새 싱글은 이전에 Kenny Beats로 활동했던 Kenneth Blume이 프로듀싱했다. 올여름 공개될 두 사람의 협업 앨범을 알리는 시작이기도 하다.

Liim – "Is Loving Really Bad"

Liim이 한동안 SNS에서 티징해 온 "Is Loving Really Bad"를 공개했다. 곧 발매될 새 정규 앨범의 리드 싱글이다.

Sadboi – "Game Boy"

Sadboi는 올여름 주목해야 할 아티스트다. "Game Boy"는 그 사실을 더욱 분명히 보여준다.

Liim – "Machete Summer" (A COLORS SHOW)

이번 주 Mr. Lasalle은 두 가지 소식을 전했다. COLORS에 처음 출연해 신곡 "Machete Summer" 무대를 선보인 것.

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요약

JAY-Z가 지난 토요일 밤 New York의 Yankee Stadium에서 역대 최다 콘서트 관객 기록을 새로 썼다.그의 3일간 레지던시 공연 중 둘째 날 무대는 2001년에 발매된 아이코닉한 앨범 ‘The Blueprint’의 25주년을 기념하는 자리였다.이 역사적인 밤을 위해 Eminem, Pharrell Williams, Slick Rick 등 슈퍼스타급 협업 아티스트들이 Brooklyn 출신 거장과 한 무대에 올랐다.

JAY-Z가 브롱크스에서 역사를 새로 썼다. Yankee Stadium 콘서트 역대 최다 관객 기록을 경신한 것이다. 큰 기대를 모은 3회 레지던시 공연의 둘째 날에는 4만5,832명이 운집해 전날 관객 수를 넘어섰고, The Blueprint 발매 25주년은 기념비적인 문화적 순간으로 자리매김했다.

토요일 밤 공연은 2001년 발표한 그의 기념비적 걸작을 중심으로 커리어 전반을 아우르는 축제의 장으로 꾸려졌다. 상업성에 타협했다는 비판을 겨냥해 JAY-Z는 관객에게 농담을 던졌다. “다들 내가 대중에게 팔려버렸다고 하더군요… 맞아요, 팔아치웠죠. 사흘 연속으로요. Yankee Stadium을 완전히 매진시켰습니다.” Dave Chappelle, Gabrielle Union, Jayson Tatum 등 스타 관객이 자리한 가운데, 무대에는 쟁쟁한 게스트들이 연이어 등장했다.

디트로이트 출신의 전설 Eminem은 이들의 대표 듀엣곡 ‘Renegade’와 ‘Lose Yourself’를 선보이며 관객을 놀라게 했고, Slick Rick도 무대에 올랐다. 이어 Pharrell Williams가 합류해 ‘Excuse Me Miss’, ‘Frontin’, ‘I Just Wanna Love U’ 등 클래식 히트곡을 잇달아 부르며 에너지 넘치는 무대를 펼쳤다. 기록을 경신한 이번 주말 공연으로 JAY-Z는 이 전설적인 공연장에서 사흘 연속 매진을 기록한 최초의 아티스트가 됐다.

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몇 년 전 누군가 Awich, ONE OK ROCK, 래퍼 CHICO CARLITO, 프로그레시브 메탈코어 밴드 Paledusk가 함께 음악 유닛을 결성할 것이라고 말했다면, 흥미롭지만 터무니없는 이야기라고 여겼을 것이다. 그러나 6월 말, 그토록 불가능해 보였던 일이 현실이 됐다. 이들은 ‘YAO’라는 글자를 새긴 강렬한 흑백 이미지와 함께 올린 Instagram 포스트로 팬들을 놀라게 했다. “We are YAO”라는 간결한 캡션과 새로운 인스타그램 계정도 함께 공개했다. 같은 날 Red Bull MIC 채널에서는 새 퍼포먼스 영상이 공개됐다. Red Bull IN-YO! 시리즈를 위한 협업 영상이었다. 일시적인 크로스오버 프로젝트일지도 모른다고 생각한 순간, 이들은 불과 일주일 뒤 첫 싱글이자 뮤직비디오인 ‘777’을 발표하며 YAO로서 공식 데뷔했다.

지난 1년 동안 이들의 궤적을 유심히 지켜본 이들에게는, ONE OK ROCK의 트랙 “C.U.R.I.O.S.I.T.Y.”에서 이미 찰떡같은 시너지를 보여 준 만큼, 이런 파워하우스급 연합이야말로 너무나 당연한 수순처럼 보였을 것이다. DETOX 앨범에서 CHICO CARLITO와 Paledusk는 각자의 개성적인 색을 더했고, 그렇게 쌓인 케미스트리는 자연스럽게 무대 위로도 이어졌다. 같은 해 말, 이 두 팀은 Awich와 함께 ONE OK ROCK의 DETOX Japan Tour의 여러 공연에서 스페셜 게스트로 합류했다.

Paledusk가 ONE OK ROCK의 유럽 투어에 서포트 밴드로 동행하면서 이들의 유대는 더욱 단단해졌다. 하지만 이 정식 그룹의 토대는 훨씬 이전에 마련됐다. 2024년 일본 사이타마의 벨루나 돔에서 열린 SUPER DRY SPECIAL LIVE에서 ONE OK ROCK과 Awich가 선보인 합동 무대는 단 한 번의 순간에 포착된 듯한, 부인할 수 없는 폭발적 에너지를 만들어냈다. 서로를 향한 예술적 존중이 오간 바로 그 순간이 오늘의 YAO를 위한 토대가 됐다.

이번 프로젝트의 계기는 돔 콘서트에서 선보인 합동 무대였다고 들었다. 이 그룹이 결성되기까지의 이야기를 자세히 들려줄 수 있을까?

Taka (ONE OK ROCK): 사실 여행에서 시작됐다. 함께 무언가를 만들기 전에 서로를 제대로 알아갈 필요가 있었다. 러프 데모를 만든 뒤 우리가 공유하는 비전이 점차 형태를 갖추면서, 더 많은 이들을 프로젝트에 합류시키기 시작했다.

Awich: 내게 벨루나 돔에서 Taka와 함께한 무대는 완벽하게 맞아떨어지는 순간처럼 느껴졌다. 우리 둘 다 무대 위에서 강렬하고 부인할 수 없는 에너지를 느꼈고, 이걸 일회성 협업으로 끝낼 수는 없다고 그 자리에서 알았다. 그렇다고 서두르거나 틀에 박힌 무언가를 만들고 싶지는 않았다.

Taka가 말했듯, 우리는 함께 여행하고 충분한 시간을 보내며 서로의 사고방식과 창작에 대한 관점을 깊이 들여다보는 것부터 시작했다. 진정한 형제애와 자매애를 쌓는 일이 우선이었다. 이후 Paledusk의 DAIDAI와 다양한 사운드와 데모를 실험하면서 비전은 자연스럽게 확장됐다. 여기에 CHICO의 강렬한 벌스와 Kaito(Paledusk)의 날것 그대로의 거침없는 샤우트가 더해지며, 이 음악적 세계가 마침내 완성됐다.

“이 그룹은 애초에 하나의 획일적인 사운드로 섞이기 위해 만들어진 것이 아니다. […] 전혀 다른 힘들을 한데 모으고, 각각에 고유하고 강력한 정신이 깃들어 있음을 인정하는 데 의미가 있다.” - Awich

Taka와 Awich가 처음 이 아이디어를 제안했을 때, 그룹 합류에 대해 가장 먼저 든 생각은 무엇이었나?

CHICO CARLITO: 정말 기뻤지만, 동시에 더 분발하고 실력을 한 단계 끌어올려야 한다는 압박감이 곧바로 밀려왔다. ONE OK ROCK을 얼마나 좋아하는지 고등학교 동창들은 다 알고 있어서 당장 자랑하고 싶기도 했다. 하지만 공식 발표 전까지는 비밀로 해야 했다.

DAIDAI (Paledusk): 가장 먼저 든 생각은 딱 하나였다. “좋았어! 엄청난 트랙들을 쓸 수 있겠는데!”

이 이름은 어떻게 정하게 됐으며, 어떤 점에서 그룹의 정신을 담고 있나?

Awich: YAO는 Yaoyorozu의 줄임말이다. Yaoyorozu, 즉 800만 신 혹은 무수한 영혼에 대한 믿음은 일본의 정신문화에 깊이 뿌리내린 개념이다. 동시에 우리가 음악과 커뮤니티를 바라보는 방식과도 완벽하게 맞닿아 있다. 이 그룹은 애초에 하나의 획일적인 사운드로 섞이기 위해 만들어진 것이 아니다. 록, 힙합, 메탈코어처럼 전혀 다른 힘을 한데 모으고, 각각에 고유하고 강력한 정신이 깃들어 있음을 인정하는 데 의미가 있다. YAO를 통해서는 이질적인 에너지가 공존하며 만들어내는 혼돈과 조화를 모두 끌어안고 싶었다.

첫 발표작 ‘777’을 통해 가장 먼저 전하고자 한 핵심 서사와 메시지는 무엇이었나?

Awich: 나는 세상을 큰 판돈이 걸린 도박처럼 여기는 아웃사이더들의 무리를 상상했다. 그러다 이들은 게임 자체가 조작됐다는 사실을 깨닫고, 판을 뒤엎어 모두를 위한 규칙을 완전히 새로 쓰기로 결심한다. 표면적으로는 일본 각지에서 온 야심 찬 네 아티스트가 힘을 합쳐 세상을 장악하려는 하이스트처럼 전개된다. 하지만 그 아래에는 더 깊은 질문이 놓여 있다. 우리는 과연 무엇을 위해 이 게임을 하고 있는가? 전환점은 브리지에서 가사가 “What if we play for something more?”라고 묻는 순간이다. 내게 그 순간은 은유의 껍질이 깨지는 지점이다. 일본어로 ‘나나’라고 읽는 숫자 ‘7’은 처음에는 잭팟의 상징으로 등장하지만, 끝내 우리가 함께 지닌 인간성을 위한 저항의 외침으로 변모한다.

‘777’ 작업 초기부터 각자의 역할은 정해져 있었나? 창작 과정은 어떻게 진행됐는지 궁금하다.

DAIDAI: 프로젝트 제안을 받은 순간부터 내가 트랙을 쓰고 프로덕션을 맡기로 정해져 있었다. 하지만 작업에 들어가기도 전 Taka가 “일단 배부터 채우자!”라고 말하며 정말 맛있는 음식을 만들어줬다. 음식이 너무 맛있어서, 나 역시 맛있는 곡을 쓰고 싶어졌다.

각자의 일정만으로도 바빴을 텐데, 이 트랙을 완성할 시간은 어떻게 마련했나?

CHICO: 최종 트랙을 녹음하기 전, 내 고향 오키나와에서 러프 데모를 만들고 팀에 보냈다. 초기 단계부터 최대한 좋은 결과물을 전달하고 싶어서, 많은 친구에게 도움을 부탁했다.

‘777’ 뮤직비디오는 강렬한 인상을 남긴다. 콘셉트는 어떻게 탄생했나?

Awich: ‘777’ 뮤직비디오는 글로벌 관객에게 아직 과도하게 노출되지 않은, 날것 그대로의 뚜렷한 일본적 미감을 중심에 두고 싶었다. 핵심 콘셉트는 청춘 문화와 스펙터클, 저항이 충돌하는 Seven Days War 같은 고전 일본 청춘 영화의 스케일과 반항적 에너지에서 큰 영감을 받았다. 곡의 빠르고 파괴적인 에너지를 현대적 청춘 반항의 의식으로 끌어올리고 싶었다. 신선하면서도 문화적 토대가 분명하며, 일본과 세계 무대 모두에서 완전히 새로운 비주얼 언어로 다가가는 작업이다.

“장르라는 범주를 지나치게 고민하다 스스로를 가두거나 창작의 경계를 만들고 싶지는 않다.” - Taka (ONE OK ROCK)

뮤직비디오 촬영 중 가장 기억에 남는 순간, 혹은 최종본에서 개인적으로 가장 좋아하는 장면은 무엇인가?

CHICO: 돌이켜보면 엑스트라들이 모두 뛰어 들어오는 메인 숏의 압도적인 힘이 가장 기억에 남는다. 야간 촬영 때는 잠시 그들과 이야기를 나누기도 했는데, 나도 모르게 “우리에게 궁금한 점 있는 분 있나요?”라고 묻고 있더라.

개인적으로 가장 좋아하는 장면은 모두가 옥상에서 헤드뱅잉하는 부분이다. 사실 나는 고소공포증이 심해서 온 힘을 다해야 했다. [Laughs]

여러 세대와 장르를 아우르는 인상적인 조합이다. 현재의 네 팀 구성은 YAO의 고정 핵심 멤버인지, 아니면 앞으로의 프로젝트에 게스트 아티스트를 맞이할 가능성도 열어두고 있나?

Taka: 그건 아직 비밀이다. 다만 우리는 장르의 범주를 지나치게 고민하다 스스로를 가두거나 창작의 경계를 만들고 싶지는 않다.

이처럼 규모 있는 콜렉티브 작업은 각자의 솔로 작업이나 주력 밴드 프로젝트에 접근하는 방식에 어떤 영향을 미쳤나?

Taka: 모든 면에서 놀라운 배움의 경험이었다. 평소보다 훨씬 넓은 시야, 한 발 떨어진 관점에서 내 작업을 바라볼 수 있게 됐다. YAO의 다른 멤버들과 모든 스태프에게 깊이 감사한다.

그렇다면 YAO의 다음 행보는 무엇일까? 앞으로를 기대할 만한 힌트를 조금 들려줄 수 있나?

DAIDAI: 앞으로 모든 트랙에 Taka가 피처링으로 참여할 거예요!

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올여름 Stone Island Sound의 행보가 거침없다. 이 테크웨어 레이블은 오래전부터 사운드 신과 긴밀한 접점을 이어왔지만, 최근 몇 달간 오디오 부문에 한층 더 집중하는 모습이다. Dave의 The Boy Who Played The Harp World Tour를 위해 무대용으로 완전히 맞춤 제작한 Stone Island 의상을 선보이고, ‘SOUND AS A FORM OF RESEARCH’라는 이름의 플레이리스트 시리즈를 공개했으며, 커스텀 바이닐 발매에도 공을 들여온 데 이어 다음 한정판을 공개했다.

새롭게 라인업에 추가된 바이닐은 Sage Elsesser가 Navy Blue라는 이름으로 선보이는 최신 스튜디오 프로젝트다. 지난 6월 발매된 Sir Render는 지금까지의 작업 가운데 가장 내면적인 작품 중 하나로, 15개 트랙 전반에 이중성, 정체성, 변모라는 주제를 담아냈다.

앨범 서사의 중심 모티프는 내면의 갈등에 맞서는 기사다. 반복적으로 등장하는 이 인물은 SI Sound가 피지컬 음반을 수집용 오브제로 재해석하는 데 직접적인 영감을 제공했다. Liam Macrae의 아트워크를 담은 Stone Island 버전의 Sir Render는 디프티크 구조로 구성됐으며, 이중성을 근간으로 한 앨범에 경의를 표하는 서로 다른 두 조형물을 선보인다.

첫 번째 이미지는 원형적 인물로 형상화한 Elsesser의 맞춤 제작 흉상을 담고 있으며, 그 위에는 사슬 갑옷을 입혔다. 두 번째 이미지에는 Stone Island의 시그니처 Stellina 로고를 새긴 맞춤 제작 방패가 등장한다. 두 이미지가 이루는 디프티크는 하나의 통합된 체계로서, 취약성과 방어, 내면과 외면 사이의 균형을 상징한다.

한정판 바이닐 컬렉터블은 내일인 7월 16일부터 전 세계 일부 Stone Island 플래그십 스토어와 Navy Blue 공식 웹스토어에서 구매할 수 있다. 온라인 판매는 미 동부 표준시 오전 10시에 시작된다.

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요약

Beabadoobee가 정규 앨범 'Pylon'의 두 번째 싱글 “Switchblade”를 발매했다.이 트랙은 90년대 radio‑rock과 emo‑grunge를 여유로운 보컬과 버무려 들려준다.취약함, 혼란, 그리고 자기 발견이라는 테마가, 끝내 결론 나지 않는 fight‑or‑flight 메타포를 밀도 있게 이끌어 간다.

beabadoobee가 새 싱글 ‘Switchblade’로 날것의 감정을 정면으로 파고든다. 곧 발매될 앨범 Pylon의 두 번째 선공개 트랙이다. 미국 중서부를 떠도는 여정을 떠올리게 하는 1990년대 라디오 록과 이모 그런지 사운드를 바탕으로 전개된다. 싱어송라이터 특유의 느긋한 보컬은 “자기방어란 용감해지는 것 / 싸움을 시작할 것인가 / 아니면 달아날 것인가?”라고 부드럽게 읊조린다. 답을 내리지 못한 이 질문이 곡의 정서를 이끈다.

주제적으로 ‘Switchblade’는 Pylon의 핵심에 자리한 모순을 담아낸다. 첫 싱글 ‘Sun Has Set’이 분노와 저항의 정서를 더 강하게 다뤘다면, ‘Switchblade’는 겉으로는 느긋하게 흐르는 사운드 편곡 위에 취약함과 혼란을 겹겹이 쌓으며 한 템포 낮춘다. beabadoobee는 ‘Switchblade’에서 자신의 불안을 왜곡 사운드의 파동으로 풀어내며, 혼란과 부정적인 감정을 감춰야 할 대상이 아니라 자기 발견으로 나아가기 위한 필수적인 디딤돌로 그려낸다.

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요약

크리스토퍼 놀란 감독이 차기작 영화 〈The Odyssey〉를 위해 트래비스 스캇과 제임스 블레이크를 오리지널 송 작업에 합류시켰다.이번 협업은 2020년 영화 〈테넷〉에서의 뮤직 파트너십 이후, 놀란과 트래비스 스캇이 다시 한 번 손을 잡은 재회 프로젝트다.트래비스 스캇은 스타급 캐스트가 총출동한 이 각색 영화에서 전통 음유시인 역할로 카메오 출연까지 예고하며, 음악과 연기 모두로 존재감을 드러낼 예정이다.

Christopher Nolan이 각색한 기대작 The Odyssey에 Travis Scott과 James Blake가 공식적으로 합류한다. 두 뮤지션은 영화의 엔드 크레디트 곡으로 사용될 오리지널 트랙 ‘When I'm Home’을 완성했다.

이번 음악적 협업은 Christopher Nolan과 Travis Scott이 이어온 창작적 인연의 연장선이다. Nolan은 앞서 SF 스릴러 Tenet에 휴스턴 출신 아티스트 Travis Scott을 참여시켰고, Scott은 당시 ‘The Plan’을 선보였다. 이번에는 Scott이 자주 협업해온 James Blake와 다시 호흡을 맞춰 새로운 엔드 크레디트 곡 ‘When I'm Home’을 완성했지만, 현재 음원 일부는 초기 언론 시사회 참석자에게만 공개된 상태다.

사운드트랙에 이어 Scott은 The Odyssey에서 카메라 앞에도 선다. Nolan은 그를 음유시인으로 캐스팅했으며, 이는 고대의 구전 서사시와 현대 힙합의 스토리텔링을 직접적으로 연결하는 창작적 선택이다. Scott의 카메오 출연과 함께 Matt Damon, Zendaya, Robert Pattinson, Tom Holland가 참여하는 대규모 앙상블 캐스트도 완성됐다. 영화가 IMAX 15/70mm 필름으로 전편 촬영돼 새로운 기록을 세우는 가운데, 팬들 사이에서는 개봉에 맞춰 Cactus Jack의 영화 관련 머천다이즈가 출시될 가능성에 대한 추측도 거세지고 있다.

The Odyssey는 2026년 7월 17일 전 세계 극장과 IMAX에서 독점 개봉한다.

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JAŸ-Z의 귀환 열기가 본격화되면서 도시 곳곳에서 뉴욕 양키스 피티드 캡이 눈에 띈다. 그중 상당수는 이 순간을 위해 출시된 Paper Planes와 New Era의 새로운 협업 제품이다.

공연 티켓을 구하지 못했더라도, 뉴요커들은 오랜만에 선보이는 역대급 굿즈 라인업을 통해 이 기념비적인 순간에 함께하고자 몰려들고 있다. Roc Nation이 선보이는 공식 JAŸ-Z30 굿즈 라인은 의류와 액세서리, 홈 굿즈에 이르기까지 폭넓은 제품을 정교하게 구성했다. 전체 라인업을 아래에서 자세히 살펴볼 수 있다.

음악 컬렉터블

한정 출시되는 음악 컬렉터블 라인업의 중심에는 30주년 컬렉터스 크레이트가 있다. 세련된 블랙 크레이트 안에 래퍼의 스튜디오 앨범 13장을 모두 담은 구성이다. HOV의 전체 디스코그래피는 30주년 컬렉터스 카세트 박스 세트에 수록된 테이프 컬렉션에서도 만나볼 수 있으며, 개별 CD와 Reasonable Doubt 재발매판도 함께 출시된다.

재킷

이번 컬렉션에서 가장 존재감 있는 대표 아이템이다. 이 특별한 순간을 위해 바시티 재킷 두 종이 출시된다. 하나는 뉴욕 양키스에서 영감을 받은 디자인으로, 블루와 화이트 컬러웨이에 가슴에는 “Heart of the City”가 새겨져 있다. 소매에는 The Blueprint의 전 트랙 목록을, 뒷면에는 앨범 인시그니아를 더했다. 두 번째는 깔끔한 올 블랙 Roc-A-Fella Records 재킷이다. 가슴에는 “Pain in the Ass”를, 실루엣 뒷면에는 레이블의 바이닐 로고를 새겼다.

저지

그다음으로 눈길을 끄는 아이템은 ROC 스타일로 재해석한 저지다. 핀스트라이프를 여러 컬러웨이로 새롭게 풀어냈으며, Reasonable Doubt와 The Blueprint에 대한 오마주로 모든 저지에 ’96 또는 ’01을 새겼다.

후디와 크루넥

그래픽 후디는 몇 가지 버전으로 선보인다. 그중 특히 눈에 띄는 두 디자인에는 The Blueprint의 “Dead Presidents”와 The Black Album의 “Dirt Off Your Shoulder” 가사가 담겼다. 일부 그래픽은 크루넥에도 동일하게 적용했다.

티셔츠

티셔츠 역시 다양한 선택지가 마련됐다. 가장 마음에 드는 아이템 중 하나는 “Can I Live” 가사 티셔츠로, 중앙에 “I'd rather die enormous than live dormant”라는 전설적인 한 구절을 간결하게 배치했다. 코발트 블루 컬러의 “What's In A Name?” 티셔츠는 뒷면을 따라 HOV의 모든 별명을 나열한 디자인이 특징이다.

헤드웨어

HOV다운 방식으로, 헤드웨어는 이번 드롭에서 가장 강력한 포인트 중 하나로 자리한다. Reasonable Doubt 9Fifty 스냅백 크라운은 블랙과 화이트 두 가지 색상으로 출시되며, 중앙에는 Paper Planes 패치를, 곳곳에는 JAŸ-Z 관련 요소를 더했다. Mitchell & Ness x Roc Nation Reasonable Doubt 프로 핀치 햇은 클래식한 뉴욕 양키스 핀스트라이프로 선보이며, 1996 월드 시리즈와 “30 Years” 패치로 마무리했다. 반면 Mitchell & Ness x Roc Nation Blueprint 프로 핀치 햇에는 측면에 깃발 자수를 장식했다.

홈 굿즈

The Book of HOV가 또 한 번 기념 에디션으로 돌아온다. 래퍼의 대표적인 가사와 그에 대한 해설을 모은 컬렉션 Decoded도 함께 선보인다.

액세서리

반다나, 키링, 토트백, 패치, 벨트까지. 어디를 가든 ROC를 드러낼 수 있는 아이템들이다.

지금 공식 JAŸ-Z30 웹사이트에서 아이템을 만나볼 수 있다.

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요약

로스앤젤레스 래퍼 ScHoolboy Q가 일곱 번째 정규 스튜디오 앨범 ‘Thank Que’를 공식 발표했다.이번 신보는 총 12곡이 수록된 트랙리스트로 구성되며, 2024년 공개한 정규 앨범 ‘Blue Lips’의 직후속작이다.또한 완전한 금주·금욕 라이프스타일을 선택한 이후 처음 온전히 작업한 정규 앨범이라는 점에서, 아티스트 커리어의 새로운 sober(금욕적인) 챕터를 여는 작품으로 주목받고 있다.

ScHoolboy Q가 일곱 번째 정규 앨범 발매를 공식 발표하며 음악 신 복귀를 공식 예고했다. 앨범 제목은Thank Que로, 이번 소식을 인스타그램 스토리를 통해 직접 알린 웨스트코스트 출신 래퍼는 현재 큰 기대를 모으는 이 작품의 녹음 작업을 막바지 단계까지 마무리하고 있다고 전했다.

이번 신보는 탄탄하게 구성된 12곡 트랙리스트로 완성될 예정으로, 관록의 아티스트에게 새로운 크리에이티브 국면을 예고한다. 그는 SNS를 통해 이 작품을 “꽤 오랫동안 작업해왔다”고 전하며, 호평을 받은 2024년 정규 앨범Blue Lips에 이어 음악에 한층 깊이 천착하고 있음을 시사했다. 특히 Thank Que는 완전히 술과 담배를 끊은 맑은 정신 상태에서 전 곡을 쓰고 녹음한 그의 첫 정규 앨범이라는 점에서 디스코그래피의 중대한 변곡점이 될 전망이다. 그는 앞서 개인의 건강을 지키고 가족에게 긍정적인 본보기가 되고자 대마 흡연을 중단하는 등 라이프스타일의 변화를 선택했다고 밝힌 바 있다.

아직 구체적인 음악적 방향성, 공식 피처링 아티스트, 프로덕션 크레딧은 베일에 가려져 있으나, 새 LP가 나온다는 사실만으로도 힙합 커뮤니티 전반에서 상당한 열기를 불러일으키고 있다. 날 선 랩으로 잘 알려진 이 MC가 이전의 주제적 국면을 지나 한층 정교해진 집중력을 선보일 것이라는 기대가 높다.

NEW SCHOOLBOY Q ALBUM ON THE WAY💿

“THANK QUE” … 12 tracks. pic.twitter.com/4bb9HsEUQ5

— NFR Podcast (@nfr_podcast) July 8, 2026

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YEONJUN의 프로젝트 전체를 관통하는 기획 의도인 NO LABELS 프로젝트는 겉으로는 조용하지만 근본적으로 전복적인 하나의 생각 위에 세워져 있다. 그에게 부여된 어떤 카테고리도 그의 이야기를 온전히 설명하지 못한다는 점이다. 그는 최신 앨범인 PART 02와 타이틀 곡 “Ice Cream”을 통해, 그 전제를 어디까지 밀어붙일 수 있는지를 증명한다. 더 넓은 영역을 탐구할 자유를 안겨준 Billboard 1위 데뷔에서부터, 거의 50개의 안무 동작으로 확장된 로맨틱한 은유, 그리고 자신의 이름이라는 단 한 단어로 응축된 크리에이티브 아이덴티티에 이르기까지 이 모든 과정을 아우른다. TOMORROW X TOGETHER의 멤버로서 YEONJUN은 그 개념을 어느 때보다 구체적으로 풀어낸다.

“Ice Cream”은 PART 02를 감정 그래프처럼 정밀한 메타포로 연다. 소홀히 다루면 쉽게 녹아버리고, 성급히 달려들면 대가를 치르게 만드는 무언가에 연애 관계를 빗댄 것이다. YEONJUN에게 이 아이디어는 그 이후 모든 작업의 도약대가 되었다. 그는 “‘달콤하지만 일정 거리를 필요로 하는 연애 관계’를 ‘너무 뜨거우면 녹아버리고, 서두르면 머리가 띵해지는 아이스크림’에 비유하는 방식이 굉장히 매력적으로 느껴졌어요.”라고 설명한다. “그래서 안무를 짤 때도 너무 노골적이지 않게 그 이미지를 표현하는 데 집중했어요. 거의 50개에 달하는 동작을 만들어 놓고, 그중에서 최종 버전을 구성했죠. 녹아내리거나 떠내는 동작, 머리가 얼얼해지는 날카로운 느낌 같은 디테일이 곳곳에 숨어 있으니, 그런 포인트를 발견하며 즐겨 주셨으면 합니다.”

그처럼 작업 과정을 깊이 파고들게 된 배경에는 PART 01에 대한 반응이 있다. 이 앨범이 Billboard Top Album Sales 차트 1위를 기록하고 Billboard 200에 진입하면서, YEONJUN은 단단한 솔로 입지를 확보하는 동시에 그에 수반되는 압박도 안게 되었다. 그는 “부담이 없었다고 하면 거짓말이지만, 첫 앨범 때보다 훨씬 편안한 마음이었어요.”라고 털어놓는다. “처음 PART 01 리스닝 파티를 앞두고 얼마나 긴장했는지 아직도 기억해요. 그런데 MOA의 반응을 직접 보고 나니 마음이 한결 놓였고, 그 순간이 오래 남아 저를 편안하게 해줬죠. 그 경험 덕분에 이번에는 과정을 더 즐기고 싶다는 생각이 들었어요. 그래서 이전에 시도하지 않았던 스타일도 좀 더 자유롭게 탐색하고, 스스로를 더 밀어붙일 수 있었습니다.” 이 고백에서 읽히는 것은 단지 좋은 차트 성적에서 오는 안도감이 아니라, 그 성과가 그에게 가져온 변화다. 이제 그는 무언가를 증명해야만 하는 아티스트가 아니라, 이미 쌓아 올린 것을 기반으로 PART 02를 확장해 나가고 있는 아티스트로 서 있다.

이 모든 실험은 NO LABELS 시리즈라는 거대한 구조 안에 담긴다. 이 프로젝트는 우리가 습관적으로 붙여온 K-pop, 아이돌, 그룹 멤버, 브랜드 앰배서더 같은 레이블만으로는 한 사람을 결코 온전히 규정할 수 없다는 전제 위에 서 있다. YEONJUN은 이 프로젝트를 통해 자신이 의도한 바와 그 결과를 솔직하게 들려준다. “NO LABELS를 통해 저는 여전히 진화하고 있는 존재로서의 나를 보여주고 싶었어요. 사람들이 제게 붙여준 모든 레이블에 진심으로 감사하지만, 이번 프로젝트에서는 ‘지금 이 순간의 나’를 보여주는 데 더 집중하고 싶었죠. PART 01 이후, 각자의 방식으로 제 새로운 면에 대해 이야기해 주시는 모습을 보며 정말 기뻤습니다.”

장기적으로 자신에게 끝까지 남을 단 하나의 레이블이 무엇일지 묻자 그의 대답은 단호했다. “굳이 하나만 고른다면, 그건 ‘YEONJUN’일 것 같아요. 새로 선보인 필름의 제목을 ‘CHOI YEONJUN’으로 정한 이유도, 너무 서둘러 규정하기보다 있는 그대로를 봐 주셨으면 해서예요. 앞으로도 하나의 레이블 안에 스스로를 끼워 맞추기보다는, 제 안의 여러 모습을 계속 탐구해 나갈 것 같습니다.”

이 발언은 동시에 크리에이티브한 신념이자 평생에 걸친 약속처럼 들린다. 고정된 정체성을 얻기 위해 애쓰기보다, YEONJUN은 스스로에 대한 질문을 영원히 열어 둔 채, 매번의 발표를 최종 해답이 아니라 진행 중인 탐구에 더해지는 새로운 데이터로 활용하려는 듯하다.

YEONJUN의 NO LABELS: PART 02는 현재 Apple Music과 Spotify에서 감상할 수 있다.

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요약

FIFA가 팝 슈퍼스타 저스틴 비버의 ‘사상 첫 월드컵 결승전 하프타임 쇼’ 출연을 공식 확정했다.콜드플레이 프런트맨 크리스 마틴이 큐레이션한 이번 초호화 무대에는 마돈나, 샤키라, BTS, 버나 보이도 함께한다.중계는 7월 19일 메트라이프 스타디움에서 진행되며, Global Citizen Education Fund를 위해 1억 달러 모금을 목표로 한다.

FIFA는 팝 슈퍼스타 저스틴 비버가 사상 최초로 열리는 2026 FIFA 월드컵 결승전 하프타임 쇼의 초호화 퍼포머 라인업에 합류한다고 공식 발표했다. 오는 7월 19일 일요일, 미국 뉴저지 주 이스트 러더퍼드의 메트라이프 스타디움에서 펼쳐지는 이번 무대를 위해, 세계 축구를 관장하는 FIFA는 국제 옹호 단체 글로벌 시티즌(Global Citizen)과 손잡고 축구 최고 권위의 결승전을 전례 없는 팝 컬처 이벤트로 탈바꿈시키는 프로젝트를 추진 중이다.

경기 중간에 펼쳐지는 이 역사적인 11분간의 생중계 공연은, 월드컵 결승 무대에 슈퍼볼 스타일의 대형 뮤지컬 프로덕션을 도입하는 중대한 엔터테인먼트 이정표가 될 전망이다. 콜드플레이 프런트맨 크리스 마틴이 직접 큐레이션한 이번 쇼는 팝의 제왕 마돈나와 샤키라, 여기에 K-팝 아이콘 방탄소년단(BTS)이 공동 헤드라이너로 이름을 올린 초호화 라인업으로 벌써부터 전 세계 팬들의 기대를 모으고 있다. 퍼포먼스는 다양한 음악 장르를 유기적으로 직조하듯 엮어내도록 구성됐으며, 샤키라와 함께 공식 월드컵 트랙 ‘Dai Dai’를 공동 리드한 나이지리아 출신 아프로비츠 스타 버나 보이의 라이브 무대와 베네수엘라 출신 오케스트라 지휘자 구스타보 두다멜의 참여까지 더해져 한층 풍성한 스펙터클을 예고한다.

고강도 팝 컬처 쇼케이스에 그치는 것이 아니라, 이번 음악 무대의 중심에는 국제 자선 활동과 글로벌 사회적 임팩트를 향한 분명한 지향점이 자리하고 있다. 이 초호화 이벤트는 새롭게 출범한 ‘FIFA 글로벌 시티즌 에듀케이션 펀드(FIFA Global Citizen Education Fund)’를 지원하며, 전 세계 아동이 양질의 교육과 스포츠 장비에 접근할 수 있도록 1억 달러 모금 달성을 목표로 한다. 이러한 인도주의적 미션을 강화하기 위해 수주간 이어지는 토너먼트 기간 동안 판매되는 모든 티켓 금액의 일정 비율이 해당 기금으로 직접 전달된다. 다층적인 이 중계에는 PS22 코러스의 무대는 물론, ‘세서미 스트리트’와 ‘머펫 쇼’의 상징적인 캐릭터들이 등장하는 협업 비주얼 연출도 포함될 예정이다.

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