디자인 뮤지엄, 《더 누 블랙 에스테틱(The Nue Black Aesthetic)》 전에서 현대 흑인 디자인 조명
객원 큐레이터 샬린 프렘페(Charlene Prempeh)가 기획한 이 전시에서는 패션, 가구, 건축, 조각을 아우르는 100점 이상의 작품을 선보인다.
런던 디자인 뮤지엄(Design Museum)이 16명의 흑인 디자이너들의 작품을 집중 조명하는 전시를 개막했다. 이는 영국에서 개최된 현대 흑인 디자인 관련 전시 중 가장 큰 규모다.
작가 겸 저널리스트 샬린 프렘페가 객원 큐레이터로 참여한 《더 누 블랙 에스테틱》전은 패션과 가구부터 건축, 제품 디자인, 조각에 이르기까지 100점이 넘는 작품을 한자리에 모았다. 총 6개의 섹션으로 나뉜 이번 전시는 “오늘날 흑인 디자이너로 일한다는 것은 어떤 의미인가?”라는 하나의 질문을 중심으로 구성되었다.
전시의 제목은 두 가지 역사적 순간에서 영감을 얻었다. 하나는 작가 래리 닐(Larry Neal)이 이론화한 1960년대의 ‘블랙 에스테틱(Black Aesthetic)’이고, 다른 하나는 소설가 트레이 엘리스(Trey Ellis)가 1989년 잡지 《캘럴루(Callaloo)》 에세이에서 명명한 ‘뉴 블랙 에스테틱(New Black Aesthetic)’이다. ‘누(Nue)’는 색조를 만든다는 뜻의 중세 프랑스어 ‘누에(nuer)’에서 유래했으며, 흑인 디자이너가 되는 데 단 하나의 정해진 길은 없는, 미묘한 차이로 정의되는 시대를 가리킨다.
프렘페는 “흑인 디자인이 단일하지 않다는 생각은 놀랍거나 논쟁의 여지가 있어서는 안 되지만, 역사적으로 현대 흑인 디자이너들의 복잡성과 영감, 또는 백인 중심적인 공간에서 창작하는 특수한 경험이 그들의 작업에 어떤 영향을 미치는지에 대한 탐구는 거의 이루어지지 않았다”고 말했다.
참여 디자이너로는 테주몰라 아데누가(Tejumola Adenuga), 타이바 아쿠에티(Taiba Akhuetie), 이니 아치봉(Ini Archibong), 시몬 브루스터(Simone Brewster), 맥 콜린스(Mac Collins), 피비 콜링스-제임스(Phoebe Collings-James), 포데이 둠부야(Foday Dumbuya), 페벤(Feben), 니페미 마커스-벨로(Nifemi Marcus-Bello), 안두 마세보(Andu Masebo), 솔 내시(Saul Nash), 토신 오시노워(Tosin Oshinowo), 비앙카 손더스(Bianca Saunders), 레이첼 스콧(Rachel Scott), 사무엘 로스(Samuel Ross), 자일스 테테이 나테이(Giles Tettey Nartey)가 있다.
전시는 흑인 디자인의 70년 역사를 다루는 섹션인 ‘누 블랙 에스테틱을 향하여(Towards a Nue Black Aesthetic)’로 시작된다. 텍스타일 디자이너 알테아 맥니시(Althea McNish)부터 잉카 일로리(Yinka Ilori)까지 20명이 넘는 디자이너들의 작품과 그래픽은 오늘날의 작업자들이 기반을 두고 있는 토대를 보여준다.
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
Christian Cassiel
이어지는 ‘영감으로서의 정체성(Identity as Inspiration)’ 섹션은 자신의 정체성을 출발점으로 삼는 디자이너들에 초점을 맞춘다. 주요 작품으로는 2023년 멧 갈라(Met Gala)에서 비앙카 손더스가 어셔(Usher)를 위해 디자인한 수트를 꼽을 수 있는데, 이는 남성복의 과잉 남성성이라는 개념에 대한 그녀의 지속적인 도전을 반영한 것이다. 그 옆에는 나이지리아계 영국인 아티스트 타이바 아쿠에티가 합성 모발로 만든 의자와 램프 셰이드 등 가정용 가구가 전시되어 있다. 런던 남서부 킹스턴(Kingston)에서 자란 아쿠에티는 흑인의 머리카락이 관리되거나 통제되어야 할 대상으로 여겨지는 것을 보았고, 그녀의 작품은 헤어스타일링을 공동체의 의식으로 재구성한다.
‘커뮤니티 형성(Community Building)’ 섹션은 디자인을 소속감을 창출하는 방법으로 살펴본다. 중심 작품은 라브룸(LABRUM)이 아디다스(adidas)와 함께 디자인한 아스널(Arsenal)의 2024/25 어웨이 유니폼을 하이패션으로 재해석한 것이다. 이 유니폼의 블랙, 레드, 그린 컬러 팔레트는 범아프리카주의(Pan-Africanism)에서 영감을 얻었으며, 아프리카 디아스포라 출신의 아스널 팬들 사이에서 큰 반향을 일으켰다.
‘시스템 재고(Rethinking the System)’ 섹션에는 확립된 미적 규범과 상업적 위계에 의문을 제기하는 디자이너들이 모여 있다. 건축가 자일스 테테이 나테이는 서아프리카의 실로폰인 발라폰(balafon)의 현대적 버전을 출품했다. 이 작품은 서구의 디자인 기준이 전통적인 서아프리카 디자인을 시간에 멈춰 있는 것으로 취급해 왔다는 그의 거시적인 주장을 대변한다.
끝에서 두 번째 방에서는 사모나 올라니페쿤(Samona Olanipekun) 감독의 새 영화 《블랙 바이 디자인(Black by Design)》을 상영한다. 이 영화는 인터뷰와 스튜디오 방문을 통해 전시에 참여한 디자이너들의 모습을 따라간다.
전시는 나이지리아계 미국인 디자이너 이니 아치봉의 새로운 커미션 작품인 ‘음폰(Mfon)’으로 마무리된다. 커다란 세라믹, 나무, 황동 구슬로 이루어진 줄에 구 형태의 무라노 글라스 셰이드가 매달려 있는 작품이다. 제목은 에피크어(Efik)와 이비비오어(Ibibio)로 ‘은혜’를 의미하며, ‘음포노봉(Mfonobong)’, 즉 ‘신의 은혜’라는 이름의 줄임말이기도 하다.
프로젝트 큐레이터 티야 다히야바이(Tiya Dahyabhai)는 “어떤 이들은 정체성과 문화에서 직접 영감을 얻는 반면, 다른 이들은 디자인 시스템을 재편하거나 커뮤니티의 영향을 재정의한다”고 말했다.
《더 누 블랙 에스테틱》전은 2026년 11월 6일부터 2027년 8월 8일까지 디자인 뮤지엄에서 만나볼 수 있다.
